Siempre que me aproximo a obras
sublimes de música, tanto en el ámbito popular, donde más conozco, y en la
docta donde mis escasos conocimientos me hacen ver maravillas en muchas de
estas composiciones, siento que el hombre tiene ese toque de Divinidad que le
hace poder acercarse a lo eterno con composiciones que están en el límite de la
perfección y de la inspiración trascendental.
La obra Amadeus de Milos Forman, considerada por muchos críticos como
una de las mejores películas jamás hechas por el hombre nos enfrenta a este
dilema a través de las figuras opuestas de Antonio Salieri y Amadeus Mozart.
La cinta trata sobre la rivalidad
(solo presente en la película), entre ambos compositores, sobretodo dada por la
envidia y la incomprensión de parte de Salieri sobre como Dios podría entregar
tan altos talentos a un hombre simplón y vulgar como Amadeus, mientras el había
entregado su vida a Dios sin obtener ese maravilloso talento.
Desde esta dinámica se nos
plantea a un Mozart creativo y nada de flemático enfrentarse a un mundo de
posibilidades en la corte Vienesa, las que son coartadas por Salieri quien
busca de todas las maneras posibles hacer que fracase en sus planes.
La película esta filmada en Praga
en plena guerra fría, tierra de la cual era nativo el director Milos Forman y
que debe conseguir permisos especiales pues se le impedía ingresar producto de
su vida en EEUU.
La película cuenta con una innumerable
cantidad de fallas históricas, sin embargo la dualidad de inspiración versus la
frustración están perfectamente retratadas.
Amadeus es una película de se
debe ver, cuenta con una banda sonora solamente musicalizada por obras de
Mozart y quienes aman la música sentirán
un gran placer en ver y sentir cuando la música se va construyendo y la obra
queda plena.
Amadeus fue uno de esos hombres
infinitos que nos pueden brillar en un mundo tan gris y mezquino como el
nuestro.
miércoles, 20 de mayo de 2015
El Lazarillo de Tormes / 1959
Cesar Fernández Ardavín / España e Italia
Una obra creada en el siglo
XVIy que no cuenta con una autoría
clara es la que da inspiración a esta película estrenada en 1959 y presentada a
la Décima versión del festival del cine de Berlín en donde consigue el Oso de
Oro, símbolo más importante de este encuentro.
El lazarillo, un sujeto ladino y pícaro
de la tradición hispana (que salta el charco y desarrolla personajes símiles en
América como el de Pedro Urdemales) es
un pequeño muchacho que toca vivir una vida sin acomodos, más bien goza de pocos beneficios en su breve
paso por la tierra. Su padre ya está muerto y con pocas historias de virtud para
heredar y su madre, una mujer que debe valerse por sí sola dejando al pequeño Lázaro
en el aprendizaje de la calle que solo da tropelías y malas costumbres.
Lázaro es vendido por su madre a
un mendigo ciego que lo maltrata y lo mantiene sin comida, luego de eso su travesía
es larga quedando a cargo de una serie de personas que son poco honestas y que
sacan partido de su condición para engañar y estafar a quien se pase por su
lado.
El primer amo de Lázaro es este
ciego que mendiga dinero a cambio de una oración piadosa, sin embargo el hombre
lejos de la piedad es pendenciero, burlador y violento con la debilidad del
niño quien debe usar su ingenio para adquirir los productos de alimento y
bebida para poder sobrevivir.
Tras abandonar al ciego, Lázaro
se encuentra con sacerdote que hace gala en público de su austeridad sin
embargo no le permite comer a Lázaro mas que las sobras y haciéndole esperar que sacie su hambre solo en los velorios. El
jovencito descubre que el cura cuenta con un mueble lleno de comida y encuentra
la forma de desvalijarlo sin que le atrapen.
El tercer patrón de Lázaro será un
hombre que viste como un noble y actúa en público como tal, sin embargo su
riqueza no es tal pues no tiene dinero para vivir ni comer. Es un personaje adorable,
quizás el único de los amos del niño que realmente logró querer y comprender a Lázaro,
sin embargo la mentira y el arribismo son características capitales del
personaje.
La historia continua con Lázaro sumándose
a una compañía de teatro trashumante que
no escatima en hacer cualquier cosa para conseguir dinero, cosas como
ponerse de acuerdo con el alguacil de un pueblito de la España medieval donde
uno de los actores se hace pasar por un sacerdote encargado de las bulas
papales, todo con la finalidad de sacar mucho dinero a los feligreses del pueblito. El pequeño Lázaro puede ser un pilluelo pero
no comprende que se engañe en la fe a
las personas humildes y denuncia el acto cerrando la película con una imagen
donde lázaro se encuentra en medio de un sembradío arrimado al único árbol existente
mientras observa como son apresados los
estafadores.
La película es la primera cinta
española en ganar el Oso de oro y es parte de la filmografía dorada de España.
Una de sus cualidades es ser una cinta de crítica hacia la mentira y la violencia
en tiempos de Francisco Franco, lo que fue leído por algunos como una crítica
al gobierno de facto.
Lazarillo de Tormes fue estrenado
en casi todo el mundo y solo cuenta un periodo de la historia del lazarillo, basándose
en su vida infantil solamente.
martes, 12 de mayo de 2015
Sweet Movie / 1974
Dusan Makavejev / Francia Canada
Dusan Makavejev es un
director nacido en la ex Yugoeslavia, hoy Bosnia que en su vida no solo puso el
diente al cine, sino que también a otros ámbitos del quehacer humano tales como
la psicología y la psiquiatría, de ahí que su trabajo fílmico expusiera estos baños intelectuales e intereses discursivos
sobre la pantalla. Es el caso de Sweet Movie, película del año 1974 en que los
excesos y la experimentación con el público está presente de principio a fin y
avanzando minuto a minuto mientras corre
la cinta para terminar poniendo en jaque nuestro ojo y conciencia.
La película es una crítica feroz al capitalismo y al
comunismo contado en dos historias que se desarrollan en paralelo durante la duración
de la película. La primera historia es sobre un potentado tejano de la
industria de la leche que junto con su madre auspician y producen el concurso “Miss
Mundo Virgen 1984”, un espectáculo que tiene como finalidad el conseguir una
mujer casta para que el excéntrico pudiese contraer matrimonio. Al elegir a
Miss Canada, el enrarecido ambiente del concurso se traslada a la hacienda del
texano que no busca tener sexo con la muchacha sino que orinarla y limpiarla
con alcohol isopropilico, un extraño fetiche del hombre que además posee un
pene bañado en oro. La muchacha es
abandonada por el potentado y despachada por un fisicoculturista negro en una
maleta hacia Paris donde por fin pierde la virginidad en plena torre Eiffel con
un actor latino de segunda categoría.
La muchacha termina viviendo en una comunidad anarquista
austriaca donde sin voz y espasmódicamente termina viviendo orgias llenas de
asquerosas prácticas para cerrar su participación con la filmación de un spot
de chocolates donde la muchacha se baña desnuda en una piscina de cacao.
La idea original del director es que la película fuese
completamente desarrollada por esta historia pero la actriz queda tan choqueada
con el papel que abandona la filmación.
Para completar la película el director serbio desarrolla una
historia paralela sobre una atractiva capitana de un barco que navega los
canales de Amsterdam con un mascaron de proa con la figura de Karl Marx. En el barco hay una confitería flotante que
sirve de atracción para niños y hombres (la víctima más importante en el guion
es un sobreviviente del acorazado de Potemkim) que son seducidos y asesinados
por la mujer en orgias de azúcar y
sangre.
Entremedio de la película y sin avisarnos, el director
inserta documentales de la Alemania nazi donde se recogen cadáveres y se hacen
autopsias de cadáveres encontrados por los fascistas en los bosques durante la
guerra o un breve documental que nos muestra cómo hacer “gimnasia” a un bebe
casi provocándole torturas.
La película es desconcertante y busca generar un shock en la
audiencia tal como lo plantea su psiquiatra favorito Wilhelm Reich.(a quien anteriormente ya había dedicado
una película) en donde explicita que las imágenes chocantes descolocan al
auditorio y es más fácil luego de esta terapia el entregar informaciones
relevantes. El hecho cierto es que la película fue ofrecida en Cannes y provoco
revuelo y vómitos entre la audiencia y la cinta fue, y hasta hoy lo es, prohibida
en diversos países.
El director nos enfrenta
en momentos a la frialdad del capitalismo y a la seducción dulce pero asesina
del marxismo, ambas acabando con las vidas de inocentes y no tanto que se dejan
embaucar por estas visiones de mundo. Por otro lado nos plantea una severa duda
sobre las practicas privadas y su realización en público,
Vale la pena ver esta película
recuperada nada menos que por Criterion Colection, aun que recomiendo que no la
vean personas impresionables pues provocara imágenes indelebles en su psiquis.
jueves, 7 de mayo de 2015
King Creole / 1958
Michael Curtiz / EEUU
Elvis
Presley fue el rey, qué duda cabe, pero no solo fue el canto en donde destaco,
sino que fue uno de esos casos especiales en donde el talento desborda a una
disciplina para convertirse en un artista completo. Elvis fue también un actor
y de los buenos, y si quieres saber cómo lo hacía frente a pantalla su mejor
encuentro frente al celuloide fue en King Creole.
1958
es una fecha en que el rock and roll ya había explotado en Estados Unidos y los
grupos conservadores ya habían comenzado a hacer lo que fuese posible para
terminar con esta moda “indecente” que proponían estos músicos. Por otro lado
la juventud ya había decido que este nuevo estilo musical seria el ritmo que
les haría bailar, pero además, separarse de sus padres en cuanto a sus
preferencias y ser una de las primeras generaciones que se desliga de las gustos
musicales de sus padres para dar rienda suelta a sus inquietudes. En este 1958
King Creole es filmada por un importante director, Michael Curtis que tenía a
su haber nada menos que Casablanca (1942) y recluta al Rey del Rock para hacer un
musical con una fuerte inspiración de Film Noir. En esta cinta Elvis encarna a
una joven rebelde, al estilo James Dean, que desafía a su padre por su estilo
lastimero de vida y decide salir a trabajar sin terminar con sus estudios
secundarios con el fin de llevar dinero a casa y no ver a su padre humillado. Así
es como por casualidad es descubierto por un empresario de la noche y le ofrece
cantar en el King Creole, el único bar de la ciudad que no está controlado por
la mafia del antagonista de esta película.
Elvis
se enfrenta a la mafia y a la posibilidad de ser un delincuente, sin embargo también
debe luchar contra su soberbia y falta de tino que lo llevan a cometer errores
que le cuestan caro a el y su familia.
King
Creole representa a una nueva juventud mundial que luego se esparcirá por el
mundo y que se caracteriza por la rebeldía y la ruptura con los cannones
sociales establecidos.
miércoles, 29 de abril de 2015
Nicolas Guillen Ladrian. El fin pero no es el fin / 2006 Jorge Egusquiza Zorrilla / Cuba
El nombre de Nicolas Guillén esta cargado en la cultura hispanoamericana y por sobretodo cubana de un peso colosal. Pero esta obra no se trata del poeta de cuba, este cortometraje es en honor de Nicolas guillen Landrian, sobrino del poeta cubano, ambos nacen en el mismo poblado, en Camaguey, Cuba, pero mientras uno fue categorizado como el mas importante poeta de la isla, el otro termino siendo exiliado y censurado por su obra pictórica y cinematográfica y finalmente exiliado a Miami donde muere en 2003.
Desde 1962 a 1972, trabaja en el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) como asistente de producción y Director de documentales, la mayoría de los cuales fueron censurados y no exhibidos hasta tres décadas después. Entre sus títulos más importantes figuranEn un barrio viejo(1963), premiado en el Festival de Cine de Cracovia,Ociel del Toa(1965), que recibió la Espiga de Oro de laSemincide Valladolid yCoffea Arábiga(1968).
Guillén Landrián fue acusado de desviación ideológica y fue enviado a trabajar a una granja avícola en la Isla de la Juventud. En varias ocasiones fue encarcelado y se le sometió a tratamiento de electroshock en hospitales psiquiátricos. A finales de los 80, participó en La Habana en una exposición de pintores disidentes, que disolvió la Seguridad del Estado de Cuba. En 1989, llegó a Estados Unidos con su esposa Grettel Alfonso como exiliado político, con quién vivió hasta su muerte. Murió de cáncer páncreas. Sus restos descansan en el Cementerio de Colón de La Habana.
lunes, 29 de diciembre de 2014
Robocop / 1987 Paul Verhoeven / EEUU
Paul Verhoeven tomaría al mundo del cine desprevenido en 1987, cuando detrás de una película de acción llena de violencia excesiva y un humor grotesco presentaba una critica socio-política, sobre temas tan actuales como los efectos negativos del capitalismo neoliberal, la corrupción, el narcotráfico y los peligros de la tecnología al caer en las manos incorrectas. Las escenas de acción, con una realización impecable, resultan para la película igual de vitales y refrescantes como los cortes informativos donde la sociedad es retratada como un ente que ha perdido el rumbo y se encuentra en total decadencia ética y económica.
La historia nos lleva hacia un futuro cercano -aún hoy vigente- en la ciudad de Detroit, la cual sufre una gran depresión económica y en donde los servicios públicos han caído en manos de toda poderosa corporación OCP, la cual controla la ciudad sin ningún reparo. La criminalidad se ha vuelto incontrolable en la ciudad y con gran poderío en armas de fuego supera con creces a la policía, quienes sin recursos, se vuelven carne de cañón ante el afán de la OCP de librar el camino para su gran utopía: Ciudad Delta.
El objetivo de la OCP, al igual que cualquier gran corporación actual es la de mejorar sus ganancias, en este caso, creando un nuevo centro empresarial y de comercio, donde la gente pueda depositar su dinero y volver aún más poderosa la empresa. Dentro de sus planes no existe un afán humanista, la imagen de una nueva ciudad limpia solo es una fachada en la que justificar su intervención sobre los viejos barrios de Detriot.
El trabajo de Verhoeven puede quizás sonar exagerado, ya que dentro de una película de duración limitada es necesario exaltar las características de sus personajes, pero por nada del mundo carece de fundamento. La corporación maligna, el gobierno inoperante, el narcotráfico dominante y una sociedad acorralada son un retrato fidedigno de la verdadera ciudad de Detroit. Esta fue alguna vez una de las más importantes y prominentes urbes de su país, pero debido al desarrollo lineal del capitalismo neoliberal una vez desapareció su poderío económico la ciudad se vino abajo.
La ciudad es un ejemplo viviente de las consecuencias que el desarrollo neoliberal esta teniendo en el resto del mundo. Paulatinamente en todas las ciudades del mundo los servicios se han ido privatizando, respondiendo a la lógica del mercado y una lógica social y humanitaria. Quienes tienen dinero pueden vivir con calidad de vida, mientras quienes no viven en ambientes degradados, marginados y sin oportunidades para su desarrollo. El papel del gobierno, alguna vez encargado de la planificación del desarrollo, se ha vuelto cada vez más un papel administrador, que ineficiente y corrupto ve en la ciudad una oportunidad de hacer negocio y concesionar los proyectos de inversión al mejor postor.
El papel de un policía convertido en una maquina, además de una idea atrayente por su relación con la “singularidad”, es en el subtexto no es más que una critica hacia la mecanización de la sociedad humana. Dentro de la economía, donde el dinero manda, el hombre no es otra cosa que un factor falible e impredecible al cual se le puede reemplazar de las actividades económicas por maquinas, mucho más eficientes y las cuales no generan derechos ni prestaciones.
Mecanizar la sociedad se traduce entonces en incrementar las ganancias en todos los sectores que la conforman. El hombre entonces deja de ser primordial en la producción, para volverse en un consumidor. Robocop no es más que un sirviente de intereses económicos, que consigue liberarse gracias a lo que le resta de su humanidad. En nuestro contexto actual, ¿Cuanto nos resta de humanidad antes de que salgamos de este esquema de desarrollo donde solo es importante el dinero?.
Singularidad Tecnológica
También conocida simplemente como la “Singularidad” es el termino con el que se acuñe a un posible escenario futuro donde el progreso en la tecnología y cambios dentro de la sociedad darán un paso agigantado debido a una inteligencia superior a la humana. Este cambio seria tan drástico que resultara incomprensible para todos aquellos seres anteriores al evento mismo. Dicho cambio se acerca mediante la utilización de máquinas cada vez más complejas para el desarrollo de nuevos inventos y descubrimientos.
Según el científico y escritor Vernor Vinge, la singularidad se puede alcanzar por cuatro caminos diferentes:
a) Super inteligencia artificial, creada en un principio por los humanos para que nos iguale y posteriormente nos supere, guiándonos a una nueva era de desarrollo.
b) Una super inteligencia colectiva, donde estén conectadas las máquinas y los humanos formando un super cerebro.
c) Super inteligencia híbrida, donde el humano se fusiona con maquinas para aumentar sus capacidades como un cyborg y superar su condición biológica finita.
d) Super inteligencia biológica, donde la apuesta es por la ingeniería genética para la creación de humanos con capacidades superiores al promedio.
ESCENAS CLAVE
1. La Torre de la OCP / Dallas City Hall
La sede de la corporación OCP se retrata dentro del filme como un gran rascacielos gracias al CGI. Sin embargo en la realidad se trata del pequeño Ayuntamiento de la ciudad de Dallas.
El interior de la torre se trata de la “Plaza of the Américas” en el Downtown de la ciudad de Dallas. Nuevamente con CGI se logra crear un ambiente sobrecogedor en cuanto su altura.
La mega corporación OCP ha comprado los servicios de la ciudad para transformarla en un nuevo centro financiero. Para ellos la ciudad es solo un negocio más en su agenda.
Los servicios que la OCP brinda abarcan todos los ámbitos, militar, espacial, exploración marina, hospitales y cárceles. Eso les brinda poder económico y un gran control sobre la sociedad.
En su afán de mecanizar a los falibles agentes de la ley, la OCP propone la utilización de agentes robóticos. Para ellos, la seguridad no es otra cosa que una inversión de costo/beneficio.
La seguridad de la ciudad no es importante para los ejecutivos de OCP. Aún cuando la criminalidad desciende su único interés es el dinero y escalar a mejores puestos dentro de la empresa.
7. El auge de la Criminalidad / Una ciudad en crisis
La ciudad se encuentra en crisis. Los criminales logran huir por largas avenidas desiertas y refugiarse en las numerosas industrias que se encuentran abandonadas y en la quiebra.
A diferencia del resto de la población, Murphy puede costearse el pago de los servicios, viviendo en los suburbios El resto de la población vive sin ellos en zonas miserables ciudad adentro.
Las calles de Detroit, desiertas de gente se plagan de criminales, quienes a diario vulneran a la población. En los anuncios se oferta un futuro más brillante, pero el presente es incierto.
Las pocas personas que trabajan de manera honesta lo hacen en trabajos mediocres. Aún cuando se educan, dentro de la ciudad no hay recompensa ni oportunidad para sus esfuerzos.
Aprovechándose de la desgracia de la población el narcotráfico extiende su dominio sobre los barrios pobres. La policía no puede enfrentárseles ante un poder de fuego superior.
Ante la falta de vigilancia, la ciudad entera se vuelve un campo de juego para la criminalidad. Tristemente es un retrato muy fiel de lo que sucede en la Detroit de la realidad actual.
Un nuevo agente es transferido por la OCP al viejo y marginado Detroit. Venido de los suburbios, Murphy luce bronceado y jovial. No es solo más que carne de cañón en territorio hostil.
Murphy es brutalmente asesinado por una banda criminal. La violencia del film es explícita y busca incomodar al espectador para hacer conciencia de la situación radical de la ciudad.
Arrebatada su humanidad, Murphy es convertido en una herramienta que obedece a su creador. Sin embargo dentro de él, su vieja personalidad empieza a emerger paulatinamente.
Aún cuando es un agente más de la ley, sus propios compañeros disparan ante las ordenes de la OCP. Saben que desobedecer es perder sus empleos aún cuando lo que hacen es incorrecto.
En un combate desigual, Robocop recobra ventaja gracias a su humanidad. Las máquinas resultan obsoletas sin una conciencia y juicio humano que las guíe.
Al final de la cinta, Murphy no solo recupera el concepto de su identidad, sino que recupera sus emociones. El intento de la OCP por crear una sociedad mecanizada fracasa.
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