The Blues Brothers / 1980 / John Landis / EEUU

The Blues Brothers / 1980

John Landis / EEUU

A finales de los años 70 y principios de los 80s la gente ya no quería saber mucho sobre  problemas sociales, quejas artísticas, rock and roll y música de protesta. Para darnos cuenta de eso es solo necesario poner en nuestra bandeja de DVDs la película “Saturday Night Fever” y observar que la pista de baile no solo significaba para muchos de los jóvenes de esta época un  espacio de disfrute en el weekend sino que también una forma de expresión social. En estos mismos años las grandes estrellas del R&B y el Blues solo eran citados a conciertos del recuerdo. En este contexto es que surge “The Blues Brothers” o como se tradujo en America Latina “Los Hermanos Caradura” (imagino que por su inexpresividad ante los mas terribles desastres que les ocurren en sus aventuras o la malversada forma de vida que habían asumido estos dos pillos).

Jack y Elwood ( John Belucci  y Dan Aykroyd) son dos hermanos que se hicieron tremendamente populares en el clásico Show norteamericano “Saturday Night Live” y que durante sus emisiones dieron a conocer su existencia como dos bluseros con el alma de negros que amaban el blues y el sonidos Stax y que deseaban formar su banda.

En la vida real Dan Aykroyd era un dueño de un bar clandestino en Canada en donde ganaba mucho dinero y que le permitía coleccionar una gran cantidad de discos de Blues, mientras que Belucci era un fanático del Rock, ambos se unen para beber de ambas influencias y terminar conformando a “The Blues Brother”

Tras su potente éxito en la pantalla chica, Aykroyd dibuja un guión donde describe como deberían ser las aventuras de la pareja en la pantalla grande y con quienes debiesen encontrarse en el camino.

La cinta es realizada por la Universal y comienza con las imágenes de una cárcel de Alta Seguridad en Illinois en la que pasaba sus días Jake y como es liberado por buena conducta. Los Blues Brothers se encuentran en las puertas del presidio y comienzan la aventura donde de principio a fin disfrutaremos de mucha música y persecuciones automovilísticas.

Jake y Elwood jamás se despojaran de sus negros trajes y su impertérrita cara, solo conmovida por la cercanía de la muerte en manos de la novia de Jake que lo odia por dejarla planta en la ceremonia de casamiento.

En la película surgen personajes de la estirpe de James Brown quien es un Reverendo de la iglesia evangélica del Rock, Ray Charles como un tendero de negocio de instrumentos, Aretha Franklin como la dueña de un negocio de comida en los suburbios de Chicago donde trabaja un ex miembro de la banda de los hermanos caradura. También aparece el inmortal John Lee Hooker como un cantante callejero entre otras destacadas figuras como el guitarrista Joe Walsh.

The Blues Brother es emoción de comienzo a fin pero sobre todo música de calidad e interpretaciones inmensas que harán las delicias de cualquier amante de la música con Mayúsculas.

La historia es tan sencilla que podría ser contada en unos minutos y consiste en liberado de la cárcel Belucci asisten al orfanato donde se criaron y la madre superiora del mismo (a quien los hermanos llaman “Pingüino”) el que esta pasando por una dura situación financiera debiendo pagar 5000 dólares, los Hermanos sabes que pueden hacer fácilmente ese dinero con ilícitos, pero la monja les reprende diciéndoles que si quieres apoyar esta causa deberá ser con actos lícitos.

Así es como Jake, un gran descreído, ve que “EL SEÑOR” le llama a reunir los viejos miembros de la banda de R&B para conseguir ese dinero. La aventura es esa, conseguir convencer a sus amigos de que regresen y abandones sus actuales vidas como cocineros de restaurante, encargados de tiendas de lujo y dejar la desaliñada banda de música de moda de un centro nocturno para retomar la senda de la música negra.

En el camino lograr hacerse de enemigos policíacos, neonazi, dueños de bares de country y los integrantes de una banda de folklore quienes les persiguen hasta lograr ponerlos en la cárcel.

Una cinta de entretención asegurada y de la concreción de dos iconos de la música que como el propio Aykroyd dice se convirtió finalmente en el tercer Show de música negra mas grande del momento,

No pases un día más sin ver esta joya.

Jesus Chist Saviour / 1971-2008 / Peter Geyer / Alemania

Jesús Christ Saviour / 1971 – 2008

Peter Geyer / Alemania

¿El mensaje de Jesús aun es revolucionario?

Es la primera vez que comienzo un comentario de una cinta desde una pregunta. ¿El mensaje de Jesús aun es revolucionario? Pasado ya mas de 2000 años de su nacimiento y en un planeta atestado de filosofías diversas sobre como afrontar la vida terrena y como lograr la próxima de manera sencilla unos rollos de cinta guardados por décadas y que durante el año 2008 salieron a la luz nos hacen cuestionarnos sobre la revolución que significaron las palabras del Mesías y su efecto en una sociedad que cree entender todos los misterios de la vida.

Jesús Christ Saviour es una suerte de documento histórico registrado en 1971 en que un unipersonal teatral de Klaus Kinsky enciende las mas airadas criticas y mas sorprendentes reacciones entre el publico que asistió a ver el polémico montaje en noviembre de ese año.

La puesta en escena es sencilla, solo Kinsky en el plato, con un fondo negro y un micrófono. Para ese Dia el actor había arrendado el Berlín Deutschlandhalle, un teatro para más de 5.000 personas y todo un aparataje técnico para poder filmar este importante hecho.

La gente se dirige a sus butacas y Kinsky entra en escena. Los primeros gritos de la audiencia nos enseñan que no son solo fans del actor se había dado cita en este lugar, sino que también fanáticos religiosos que se sentían interpelados por el monologo que pronunciaría Klaus.

La película nos enseña en multicamaras el desarrollo de la escena que se vera interrumpida por asistentes que suben al escenario a demostrar su molestia con el actor mientras que el gentío en sus butacas suma pifias y vitores al histrión.

Son varias las veces en que Klaus Kinsky muestra una fiereza esperable del Jesús del templo, y logrando una posesión del personaje que provoca escalofríos.

Kinsky antes de ser famoso había sido voz de grabaciones para clásicos del la literatura en audio libros llegando a grabar 32, por lo tanto el hacer este monologo significaría una suerte de regreso a los orígenes del Polaco.

El guión esta basado en un 90% en pasajes bíblicos que son contextualizados en un mundo con la guerra de Vietnam y el Papado Romano.  

Es aquí donde surge nuevamente la pregunta ¿El mensaje de Jesús aun es revolucionario?,  o ¿Por qué el publico presente asume las palabras del actor de manera tan belicosa?, es verdad de Kinsky es violento y lo expresa incluso físicamente hacia un chico que trata de interrumpir su monologo, pero esto era una propuesta artística, no necesariamente proselitista.

Cada vez que era interrumpido el actor comenzaba de nuevo, era casi una suerte de paso por el desierto que debía ser hecho con todo el respeto del caso, pero gente no lo quiere oír, prefiere vociferar entre las tinieblas del teatro.

Al final solo un centenar de Jóvenes decide quedarse y Klaus Kinsky desarrolla el monologo de principio a fin notablemente afectado.

Lo que seria el comienzo de una gira por Alemania con esta obra se convirtió en el fallido intento de desarrollar una postura contemporánea del mensaje de Cristo.

¿Cuanto ha crecido la humanidad realmente?, ¿Cuánto comprendió las paráfrasis del monologuista?.

En uno de los cartones colocados en las escenas finales, surge el necesario análisis sobre la humanidad contemporánea. “A Jesús le permitieron hablar al menos antes de crucificarle, a este actor ni siquiera lo dejaron hacer eso”.

Notable documental que nos muestra una faceta escalofriante de del Famoso actor.

Sin Duda Cinco Estrellas 

Kung Fu Panda / 2008 / John Stevenson & Marc Osborne / EEUU

Kung Fu Panda / 2008
John Stevenson & Marc Osborne / EEUU

Shrek y Po, son dos personajes similares. Ambos provienen de la misma creación, Dreamworks.  Estos dos personajes son obesos, torpes, feos bajo los estereotipos de la belleza propuesta en la película (y que generalmente se replican en la sociedad real), ambos solo están relegados a vivir o en un pantano o en un negocio de fideos sirviendo eternamente platillos. Pero también cuentan con otro elemento en común que los hace diferentes y los lleva al heroísmo, si, por que ambos deben decidir si asumir un desafío que del cual nadie esperaba que fueran capaces de cumplir.

En el caso de Po, el panda protagonista de Funk Fu Panda, es un oso que durante el día ayuda a su padre a atender un restaurante de fideos pero en las noches sueña con ser como los 5 fantásticos que habitan en el monte y que practican artes marciales para vencer a sus enemigos.

Los destinos de la vida y el temor por la liberación del máximo enemigo de los héroes llevaran al maestro Shifu (Dustin Hoffman) a apresurar la elección del guerrero elegido, el que debería terminar con ese Némesis. Extrañamente ninguno de los 5 magníficos es el elegido, sino el gordo Panda que deberá aprender a sobrellevar su designio frente a la molestia debelada de su maestro.

En Kung Fu Panda todos aprenden, Po comprende que debe asumir su responsabilidad aunque nadie crea en el, que debe soportar un arduo entrenamiento y sobretodo que las verdaderas potencialidades están dentro del corazón de los que las buscan. Pero también aprenderá el maestro, deberá comprender que no siempre lo que se ve es lo realmente importante y que la maestría se esconde en los lugares mas inesperados. Además comprenderá que no siempre los mismos métodos deben ser aplicados a todos los alumnos.

Fung Fu Panda es una bella película sobre artes marciales, pero más bella cinta sobre la vida.

Pina / 2011 / Wim Wenders / Alemania

Pina / 2011
Wim Wenders / Alemania

Wim Wenders no es un director extraño en el mundo de los documentales, ya en los años 90s nos habia entregado una imagen de los artista cubanos de la época pre-revolucionaria a traves de su “Buena Vista Social Club”. En este caso se adentra en el mundo de su amiga personal, la bailarina y coreógrafa Pina Bauch, una alemana que no solo desarrolla la danza sino que también si interacción con elementos de la cotidianeidad, lo que la convierte en una de las importantes exponentes de la danza contemporánea incluyendo además elementos del baile clásico.

Pina no pudo ver la puesta en escena de esta cinta documental, pues a sus 68 años falleció de un cáncer fulminante, sin embargo y tras un primer momento en que Wender sintió el deseo de abandonar la obra, el elenco de la compañía que ella forma, el “Tanztheater Wuppertal”, motivó al director a terminar el material y entregarlo como un homenaje a la desaparecida creadora.

En la cinta se observa la técnica del 3D (esta película la vi en el cine) y desde ese formato ya nos sorprende poderosamente la utilización de la tecnología para una cinta de acción, como suelen ser la implementaciones del 3D en Holywood. Así es como “Pina” se erige como una experiencia cinematográfica en que el espectador se siente dentro de la cinta, en el propio teatro de la compañía o en las calles de la ciudad alemana donde se llevan a cabo gran parte de los bailes.

Wender recurre a la experiencia de los bailarines para resumir la inspiradora técnica de Pina, entre ellas, la de bailar ciegos en un a sala llena de sillas, o permitirse la libertad de las técnicas dancisticas sin los moldes de la academia.

La cinta es una buenísima experiencia para quienes no conocen en profundidad el mundo del baile, es mas, yo me siento un tipo totalmente lejano a esta disciplina, sin embargo, su belleza es sublime, su utilización de los espacios es excepcional y su ingreso a la calles y bosques alemanes te harán sentir como si fueras un transeúnte mas que logra captar las intervenciones estéticas de los bailarines.

Una muy interesante película que debes ver.

El / 1952 / Luis Buñuel / México

El /  1952
Luis Buñuel / México

Ya habíamos mostrado hace un tiempo atrás otro de los títulos del Surrealista español Luis Buñuel realizado en tierras mexicanas, la exitosa “Abismos de Pasión”, una cinta basada en la novela “Cumbres Borrascosas”. En este caso nos remitiremos a la gran cinta “El”, película protagonizada por el actor Arturo de Córdoba, como Francisco, un adinerado hombre de ciudad de México y terrateniente de la ciudad de Guanajuato, y Delia Garcés, quien hace el papel de Gloria una joven y bella mujer recién llegada desde Argentina y que conoce a Francisco en un servicio religioso en la ciudad de México.

Como ya sabemos. Buñuel tenia una evidente aversión a la burguesía y el Clero y en este trabajo queda en evidencia su perspectiva odiosa desde el primer momento. La historia comienza con una primera escena en una catedral en la que un sacerdote esta realizando a unos pequeños la ceremonia del lavado de pies, en este momento el fetichismo buñueliano se demuestra a través de la distorsionada imagen de los besos en los pies por parte del prelado a los pies de lo muchachos la que nos introduce a la figura de Francisco, un hombre devoto de la iglesia romana  y que en su observación al acto de lascivia del sacerdote, comienza a buscar pies con la mirada entre los feligreses, tras un breve barrido Francisco se clava en las piernas de un joven, ella es gloria. Tras ese acto la obsesión de Francisco será la joven.

Francisco es un hombre de mucho dinero y que esta peleando desde el área legal unos terrenos que el dice le pertenecen pero que hoy están en poder de otras personas en la ciudad de Guanajuato. Es asi como dos obsesiones ya son las que se nos muestran del adinerado hombre.

Francisco es públicamente un hombre de fe que espera casarse con una mujer a quien el ame profundamente, incluso aunque ella no lo haga. Es así como bajo esa obsesión incontrolada se da cuenta que Gloria es la novia de un amigo ingeniero, tras ese descubrimiento comienza a hacer lo imposible para conseguir su beneplácito.

Tras un encuentro preparado por el obseso en su casa gloria logra ser capturada por Francisco y se casan.

Hasta aquí la cosa es mas o menos normal, sin embargo tras la luna de miel las cosas comienzan a cambiar.  Francisco comienza a mostrar su verdadera faz y se empieza a develar su profunda enfermedad mental. Su Egocentrismo, paranoia y violencia lo llevan a torturar a su mujer la que en un principio busca ayudar al hombre sin entender bien porque actúa así, hasta que la violencia y tortura ejercida sobre la mujer la lleva a huir de la casa y encontrar refugio en su ex pareja ahora convertido en confidente y amigo.  Esto claramente desatara la ira y los peores pensamientos de parte de Francisco quien intentara poner fin a la vida de la mujer y su presunto amante.

La mujer durante la tortuosa situación buscara encontrar apoyo en el sacerdote amigo de la familia y en su propia madre, sin embargo no le creerán pues Francisco es cuidadoso y trata de cubrir todos sus errores con mucha sagacidad.

En la misma historia aparece el mayordomo de Francisco, un hombre que mantiene un relación de confianza y respeto enfermiza con su patrón la que nos deja entrever una suerte de homosexual velada.

La cinta es vista por los psicoanalistas como una pieza de estudio pues define fielmente el estado de la paranoia.

Sobrecogedoras son las imágenes en que el desquiciamiento del protagonista quedan en evidencia, cuando al final de la historia imagina que los feligreses de la iglesia se burlan de el por ser un cornudo, aunque la realidad de intercala con la fantasía con tomas de lo que el se imagina versus lo que realmente esta sucediendo y que lo llevan a tratar de atentar contra su Sacerdote.

La cinta nos muestra al final al hombre en un monasterio rezando y luchando con su enfermedad y la mujer visitándolo desde lejos ahora con su nuevo marido, el ingeniero y un niño llamado Francisco que sin duda era el hijo del desquiciado hombre

Realmente recomendable e imperdible.

Listen Up!: The Lives of Quincy Jones / 1990 / Ellen Weissbrod / EEUU

Listen Up!: The Lives of Quincy Jones / 1990
Ellen Weissbrod /  EEUU

Cuando tome este DVD entre mis manos me predispuse inmediatamente a ver un concierto donde participara Mr Q. Sin embargo tras correr los primeros segundos del material, debí re situarme en un Documental sobre la vida de este talentoso productor y músico Norteamericano.

“Listen Up!!” es una revisión biográfica de los diversos momentos de Quincy Jones, comenzando por una retrospección hacia sus primeros años de vida en los barrios bravos de Chicago, en donde la miseria, la locura de su madre y las malas influencias eran parte del paisaje del pequeño Jones.

En el documental las figuras musicales sobran, en una suerte de homenaje concertado personajes como Dizzy Gillespie, Ray Charles, Miles Davis, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Ice T entre otros, entregan su devoción al Rey midas de la producción del Jazz y el Pop.

Pero en el documento no solo se habla de lo positivo de lo musical, también se aborda el área de las privaciones familiares que perciben sus hijos debido al absorbente mundo de la música.

Uno de los detalles mas divertidos de la película es que cuando les corresponde entrevistar a Michael Jackson (quien le debe gran parte de su carrera a Quincy Jones) , Jackson solicita que la conversación se realice con las luces completamente apagadas, para no ser captado por la cámara de televisión.


Dato relevante es que  en el material extra aparece una entrevista a Jones pero en los años 2000, con colaboraciones de Bono de U2 y algunos otros contemporáneos.
 
Interesante Rockumental si es que no conoces la vida de Jones, si es que no sabes que toco con los mas grandes Jazzistas del mundo y que luego se reformo para ser el mas importante productor del Pop en los 80s.

Ahi va el Trailer Oficial

http://www.Reelz.com/trailer-clips/24185/listen-up-the-lives-of-quincy-jones-trailer

y un extracto del documental

The Changeling (Al final de la Escalera) / 1980 / Peter Medak / Canadá

The Changeling (Al final de la Escalera) /1980

Peter Medak / Canadá

La verdad nunca he tenido un acercamiento mayor hacia el cine de terror o suspenso, quizás puedo recuerde momentos tétricos frente a la pantalla viendo filmes como El Exorcista, pero no en esos instantes en que todos sienten miedo, es decir, en  la posesión demoníaca de la chica, sino mas bien en los interesantes juegos de silencio-ruido y sus conexiones con civilizaciones antiguas en el comienzo de la cinta. Quizás es por eso y por mi afán de no saber demasiado de una película antes de enfrentarme a ella que la película “Al final de la Escalera” no provocó en mi  una sensación de miedo muy grande.

The Changeling es una cinta Canadiense de 1980 y situada en Seattle de 1976 que abre con un drama total en que una feliz familia que va de vacaciones a la montaña sufre una desgracia cuando un camión pierde en control en la nieve y asesina en un accidente a la esposa y la hija del protagonista de la cinta.

Tras eso se debela al personaje. George C. Scott (conocido universalmente por su actuación en la inmortal “Patton”) interpreta a John Russell, un destacado músico y compositor docto que debe enfrentarse a la perdida de toda su familia y para sobreponerse de ella se cambia de Nueva York a Seattle en donde asumirá una cátedra universitaria con el fin de refugiarse en la música.

Cuando busca un lugar para vivir  Russell es llevado a una casona gigantesca de fines del Siglo XIX, en la que se siente a gusto. Tras los primeros días en la casa algo comienza a parecerle extraño, a cierta hora de la madrugada, cada día a la misma hora, un ruido inexplicable le despertará.  De apoco el ruido dejara de ser solo eso para convertirse en una verdadera incomodidad para el inquilino. Así es como comienza a investigar entre los diversos recovecos de la casa hasta que llega a un lugar que estaba clausurado, era un camino hacia un altillo. En ella encuentra una caja musical con una melodía que le es familiar y comienza a hacer las investigaciones de rigor para averiguar que es lo que esta realmente pasando.

Tras estos extraños acontecimientos, Russell decide desarrollar una sesión de espiritismo en la que todo queda claro, un espíritu está provocando cada uno de los sonidos y situaciones en la casa y el pianista decide llegar a las ultimas consecuencias.

En este punto la película ya nos tiene atrapados, debemos resolver el misterio junto con Scott. La investigación nos traerá a un crimen de un infante a principios de siglo en que se han suplantado a personas, todo en búsqueda del mantenimiento del poder de una de las mas fuertes familias de Estados Unidos.

La Película no contiene efectos especiales, no nos llevará a los clichés clásicos de la cintas de terror, pero esto mismo nos hará sentir en una historia mas veraz que friccionada.

La casa maldita y su espíritu deberán cobrar su deuda y terminar con la vida de quienes se han apoderado fraudulentamente de los bienes del joven asesinado.

Interesante película y espeluznante producción ganadora de varios premios “Genie” (premio Canadiense al Cine), acompañada de gran actuación y artística fotografía. Un clásico del cine de Terror, que debe ser visto.