Still alice / 2014

Wash Westmoreland y Richard Glatzer / EEUU

¿Hasta cuándo somos los que somos?. Cuando somos pequeños se nos dice que “llegaremos a ser “ y cuando estamos viejos anhelamos “lo que éramos”. Es tan difícil reconocer que el único instante que nos pertenece es el ahora, quizás por la fragilidad del momento. Still Alice nos habla sobre el ser, sobre lo que somos y lo que podemos dejar de ser porque una vuelta del destino nos saca del carril de una vida que esta estandarizada y planeada casi de principio a fin.

Cuando comenzamos con la visualización de la cinta nos tropezamos con una familia que cena feliz en un caro restaurant. A primera vista la mujer que protagonizara nuestra historia se ve tan jovial y atractiva que no representa sus 50 años de vida, es mas parece una conversación entre amigos, pronto descubrimos que se trata de un grupo  familiar y que gozan de una buena situación. Ambos padres  Julianne Moore y Alec Baldwin son profesionales, él un científico y ella una lingüista destacada en Columbia.

Desde este pedestal aparece el derrumbe paulatino pero sostenido, Alice, la madre se percata que está comenzando a tener pérdidas de memoria que le preocupan y que terminan por ser confirmadas con una suerte de sentencia fatal, el descubrimiento de la enfermedad del Alzheimer que no solo ataca su mundo sino que además se traspasa genéticamente a sus hijos. Desde aquí en adelante la película aborda como el personaje central empieza a enfrentarse a lo que será un muerte intelectual, lo que la ha llevado a ser una destacada profesora en Columbia.

La actuación de Julianne Moore es muy buena, minimalista y elegante, nos muestra con realidad y resignación como enfrenta su enfermedad y como define la continuidad de su vida con la enfermedad a través de un video grabado con instrucciones para terminar con su sufrimiento cuando su “otra Alice” ya no la reconozca.  

Cuando abordamos este tipo de historias nos ponemos a reflexionar sobre el acto de existir, sobre la fortuna de la vida que vivimos, nos aferramos a nuestra estancia en la tierra y valoramos las condiciones que poseemos aunque en otros casos reneguemos ante ese mismo estado debido al inconformismo. Son espejos que nos hacen plantearnos que tipo de vida vivimos y con cuanta abundancia la aprovechamos.

Esta película está basada en una novela de Liza Genova de idéntico nombre y la actuación de Moore le valió múltiples premios, entre ellos  el Oscar a mejor actriz 2015

ACDC Live at River Plate / 2011

David Mallet / Argentina

Tras la salida al Mercado del último trabajo de la megabanda AC/DC,  BLACK ICE en el año 2008, un disco con el sabor clásico de ACDC y que logro excelentes recibimiento entre sus fans, se desarrolló un nuevo encuentro con el público a través de una gira que sería inmortalizada en su pasada por Sudamérica en el mundialista estadio monumental de River Plate en el barrio de Núñez, Buenos Aires con una de las más tecnológicas grabaciones hechas hasta ese momento en la historia de los registros de conciertos.

Live at the River Plate es un compendio de grandes éxitos de los australianos más algunas canciones de su último trabajo condimentados con la explosiva  presencia de los fans argentinos, quienes durante el show completo no paran de corear y cantar cada una de las estrofas de las canciones inmortalizadas en la presentación.

Recuerdo claramente que en esta época Chile sufría la ausencia de los “chicos problema” debido a no tener un recinto adecuado para alojar un evento de tal magnitud, en esa época el estadio Nacional de Santiago de Chile estaba siendo remodelado y los numerosos fans de la banda debieron sufrir la ausencia o hacer una inversión mayor y cruzar hasta Buenos Aires para ver una de las 3 presentaciones que tendrían en el mítico monumental.

El set grabado es pura Nitroglicerina, con canciones acompañadas de pirotecnia y efectos visuales que hacen más entretenido el show aun, todo esto captado por 32 cámaras de Alta Definición que filman este gran momento del rock universal.

El Set de canciones es el siguiente:

1.    "Rock 'n' Roll Train"

2.    "Hell Ain't A Bad Place To Be"

3.    "Back in Black"

4.    "Big Jack"

5.    "Dirty Deeds Done Dirt Cheap"

6.    "Shot Down In Flames"

7.    "Thunderstruck"

8.    "Black Ice"

9.    "The Jack"

10. "Hells Bells"

11. "Shoot to Thrill"

12. "War Machine"

13. "Dog Eat Dog"

14. "You Shook Me All Night Long"

15. "T.N.T. "

16. "Whole Lotta Rosie"

17. "Let There Be Rock"

18. "Highway to Hell"

19. "For Those About To Rock (We Salute You)"

Ted /2012

Seth Macfarlane  / EEUU

Ted es un oso de peluche, un arquetipo de la ternura, sin embargo cuando Ted abre la boca se convierte en un verdadero comediante de Stand up de un bar sin ninguna censura para expresarse.

Me había llamado la atención esta película desde que vi su tráiler y 3 años después de se estrenara tengo la oportunidad de verla.

Siempre he escuchado la frase de que los hombres somos niños incurables, seres que nunca dejan atrás la infancia y que cambian sus juguetes de niños por juguetes de adultos. Quizás ese pensamiento queda reflejado a lo largo de esta película

Ted representa a ese niño que va perdiendo la inocencia en torno a sus búsquedas, bromas e intereses, sin embargo quien mantiene vivo al personaje es le hombre que le dio la vida desde sus 5 años de edad cuando Ted fue su regalo de navidad. Mark Wahlberg representa a ese niño llamado John Bennett pero ya con 35 años y que “debe” madurar para poder mantener una relación estable con su bella novia Lori, Mila Kunis.

El estupendo comediante y guionista Seth Macfarlane hace las veces de Ted. Esta es la primera experiencia de Seth en la dirección de cine tras sus destacadas creaciones encabezadas por Family Guy.

Entretenida, a veces sorprendente y por sobretodo llevadera para alguien que no soporta fácilmente una comedia romántica tradicional.

Amadeus / 1984

Milos Forman / EEUU

Siempre que me aproximo a obras sublimes de música, tanto en el ámbito popular, donde más conozco, y en la docta donde mis escasos conocimientos me hacen ver maravillas en muchas de estas composiciones, siento que el hombre tiene ese toque de Divinidad que le hace poder acercarse a lo eterno con composiciones que están en el límite de la perfección y de la inspiración trascendental.  La obra Amadeus de Milos Forman, considerada por muchos críticos como una de las mejores películas jamás hechas por el hombre nos enfrenta a este dilema a través de las figuras opuestas de Antonio Salieri y Amadeus Mozart.

La cinta trata sobre la rivalidad (solo presente en la película), entre ambos compositores, sobretodo dada por la envidia y la incomprensión de parte de Salieri sobre como Dios podría entregar tan altos talentos a un hombre simplón y vulgar como Amadeus, mientras el había entregado su vida a Dios sin obtener ese maravilloso talento.

Desde esta dinámica se nos plantea a un Mozart creativo y nada de flemático enfrentarse a un mundo de posibilidades en la corte Vienesa, las que son coartadas por Salieri quien busca de todas las maneras posibles hacer que fracase en sus planes.

La película esta filmada en Praga en plena guerra fría, tierra de la cual era nativo el director Milos Forman y que debe conseguir permisos especiales pues se le impedía ingresar producto de su vida en EEUU.

La película cuenta con una innumerable cantidad de fallas históricas, sin embargo la dualidad de inspiración versus la frustración están perfectamente retratadas.

Amadeus es una película de se debe ver, cuenta con una banda sonora solamente musicalizada por obras de Mozart  y quienes aman la música sentirán un gran placer en ver y sentir cuando la música se va construyendo y la obra queda plena.

Amadeus fue uno de esos hombres infinitos que nos pueden brillar en un mundo tan gris y mezquino como el nuestro.

El Lazarillo de Tormes / 1959

Cesar Fernández Ardavín / España e Italia

Una obra creada en el siglo XVI  y que no cuenta con una autoría clara es la que da inspiración a esta película estrenada en 1959 y presentada a la Décima versión del festival del cine de Berlín en donde consigue el Oso de Oro, símbolo más importante de este encuentro.

El lazarillo, un sujeto ladino y pícaro de la tradición hispana (que salta el charco y desarrolla personajes símiles en América como el de Pedro Urdemales) es  un pequeño muchacho que toca vivir una vida sin acomodos,  más bien goza de pocos beneficios en su breve paso por la tierra. Su padre ya está muerto y con pocas historias de virtud para heredar y su madre, una mujer que debe valerse por sí sola dejando al pequeño Lázaro en el aprendizaje de la calle que solo da tropelías y malas costumbres.

Lázaro es vendido por su madre a un mendigo ciego que lo maltrata y lo mantiene sin comida, luego de eso su travesía es larga quedando a cargo de una serie de personas que son poco honestas y que sacan partido de su condición para engañar y estafar a quien se pase por su lado.

El primer amo de Lázaro es este ciego que mendiga dinero a cambio de una oración piadosa, sin embargo el hombre lejos de la piedad es pendenciero, burlador y violento con la debilidad del niño quien debe usar su ingenio para adquirir los productos de alimento y bebida para poder sobrevivir.

Tras abandonar al ciego, Lázaro se encuentra con sacerdote que hace gala en público de su austeridad sin embargo no le permite comer a Lázaro mas que las sobras y haciéndole esperar  que sacie su hambre solo en los velorios. El jovencito descubre que el cura cuenta con un mueble lleno de comida y encuentra la forma de desvalijarlo sin que le atrapen.

El tercer patrón de Lázaro será un hombre que viste como un noble y actúa en público como tal, sin embargo su riqueza no es tal pues no tiene dinero para vivir ni comer. Es un personaje adorable, quizás el único de los amos del niño que realmente logró querer y comprender a Lázaro, sin embargo la mentira y el arribismo son características capitales del personaje.

La historia continua con Lázaro sumándose a una compañía de teatro trashumante que  no escatima en hacer cualquier cosa para conseguir dinero, cosas como ponerse de acuerdo con el alguacil de un pueblito de la España medieval donde uno de los actores se hace pasar por un sacerdote encargado de las bulas papales, todo con la finalidad de sacar mucho dinero a los feligreses del pueblito.  El pequeño Lázaro puede ser un pilluelo pero no comprende que se engañe en la fe  a las personas humildes y denuncia el acto cerrando la película con una imagen donde lázaro se encuentra en medio de un sembradío arrimado al único árbol existente mientras observa  como son apresados los estafadores.

La película es la primera cinta española en ganar el Oso de oro y es parte de la filmografía dorada de España. Una de sus cualidades es ser una cinta de crítica hacia la mentira y la violencia en tiempos de Francisco Franco, lo que fue leído por algunos como una crítica al gobierno de facto.

Lazarillo de Tormes fue estrenado en casi todo el mundo y solo cuenta un periodo de la historia del lazarillo, basándose en su vida infantil solamente.

Sweet Movie / 1974

Dusan Makavejev / Francia Canada

Dusan  Makavejev es un director nacido en la ex Yugoeslavia, hoy Bosnia que en su vida no solo puso el diente al cine, sino que también a otros ámbitos del quehacer humano tales como la psicología y la psiquiatría, de ahí que su trabajo fílmico expusiera estos  baños intelectuales e intereses discursivos sobre la pantalla. Es el caso de Sweet Movie, película del año 1974 en que los excesos y la experimentación con el público está presente de principio a fin y avanzando minuto  a minuto mientras corre la cinta para terminar poniendo en jaque nuestro ojo y conciencia.

La película es una crítica feroz al capitalismo y al comunismo contado en dos historias que se desarrollan en paralelo durante la duración de la película. La primera historia es sobre un potentado tejano de la industria de la leche que junto con su madre auspician y producen el concurso “Miss Mundo Virgen 1984”, un espectáculo que tiene como finalidad el conseguir una mujer casta para que el excéntrico pudiese contraer matrimonio. Al elegir a Miss Canada, el enrarecido ambiente del concurso se traslada a la hacienda del texano que no busca tener sexo con la muchacha sino que orinarla y limpiarla con alcohol isopropilico, un extraño fetiche del hombre que además posee un pene bañado en oro.  La muchacha es abandonada por el potentado y despachada por un fisicoculturista negro en una maleta hacia Paris donde por fin pierde la virginidad en plena torre Eiffel con un actor latino de segunda categoría.

La muchacha termina viviendo en una comunidad anarquista austriaca donde sin voz y espasmódicamente termina viviendo orgias llenas de asquerosas prácticas para cerrar su participación con la filmación de un spot de chocolates donde la muchacha se baña desnuda en una piscina de cacao.

La idea original del director es que la película fuese completamente desarrollada por esta historia pero la actriz queda tan choqueada con el papel que abandona la filmación.

Para completar la película el director serbio desarrolla una historia paralela sobre una atractiva capitana de un barco que navega los canales de Amsterdam con un mascaron de proa con la figura de Karl Marx.  En el barco hay una confitería flotante que sirve de atracción para niños y hombres (la víctima más importante en el guion es un sobreviviente del acorazado de Potemkim) que son seducidos y asesinados por la mujer en orgias de azúcar  y sangre.

Entremedio de la película y sin avisarnos, el director inserta documentales de la Alemania nazi donde se recogen cadáveres y se hacen autopsias de cadáveres encontrados por los fascistas en los bosques durante la guerra o un breve documental que nos muestra cómo hacer “gimnasia” a un bebe casi provocándole torturas.

La película es desconcertante y busca generar un shock en la audiencia tal como lo plantea su psiquiatra favorito  Wilhelm Reich.(a quien anteriormente ya había dedicado una película) en donde explicita que las imágenes chocantes descolocan al auditorio y es más fácil luego de esta terapia el entregar informaciones relevantes. El hecho cierto es que la película fue ofrecida en Cannes y provoco revuelo y vómitos entre la audiencia y la cinta fue, y hasta hoy lo es, prohibida en diversos países.

El director nos enfrenta en momentos a la frialdad del capitalismo y a la seducción dulce pero asesina del marxismo, ambas acabando con las vidas de inocentes y no tanto que se dejan embaucar por estas visiones de mundo. Por otro lado nos plantea una severa duda sobre las practicas privadas y su realización en público,

Vale la pena ver esta película recuperada nada menos que por Criterion Colection, aun que recomiendo que no la vean personas impresionables pues provocara imágenes indelebles en su psiquis.

King Creole / 1958

Michael Curtiz / EEUU

Elvis Presley fue el rey, qué duda cabe, pero no solo fue el canto en donde destaco, sino que fue uno de esos casos especiales en donde el talento desborda a una disciplina para convertirse en un artista completo. Elvis fue también un actor y de los buenos, y si quieres saber cómo lo hacía frente a pantalla su mejor encuentro frente al celuloide fue en King Creole.

1958 es una fecha en que el rock and roll ya había explotado en Estados Unidos y los grupos conservadores ya habían comenzado a hacer lo que fuese posible para terminar con esta moda “indecente” que proponían estos músicos. Por otro lado la juventud ya había decido que este nuevo estilo musical seria el ritmo que les haría bailar, pero además, separarse de sus padres en cuanto a sus preferencias y ser una de las primeras generaciones que se desliga de las gustos musicales de sus padres para dar rienda suelta a sus inquietudes. En este 1958 King Creole es filmada por un importante director, Michael Curtis que tenía a su haber nada menos que Casablanca (1942) y recluta al Rey del Rock para hacer un musical con una fuerte inspiración de Film Noir. En esta cinta Elvis encarna a una joven rebelde, al estilo James Dean, que desafía a su padre por su estilo lastimero de vida y decide salir a trabajar sin terminar con sus estudios secundarios con el fin de llevar dinero a casa y no ver a su padre humillado. Así es como por casualidad es descubierto por un empresario de la noche y le ofrece cantar en el King Creole, el único bar de la ciudad que no está controlado por la mafia del antagonista de esta película.

Elvis se enfrenta a la mafia y a la posibilidad de ser un delincuente, sin embargo también debe luchar contra su soberbia y falta de tino que lo llevan a cometer errores que le cuestan caro a el y su familia.

King Creole representa a una nueva juventud mundial que luego se esparcirá por el mundo y que se caracteriza por la rebeldía y la ruptura con los cannones sociales establecidos.