Gravity / 2013

Alfonso Cuaron / EEUU

Me encanta ver a la gente en situaciones nuevas, es casi como un trabajo de estudio, ver las reacciones de las personas sometidas a ambientes que jamás o muy pocas veces vivieron.

Hace unos días atrás enfrente a una amiga a su primera experiencia con el cine en 3D. Tras  unas tazas de café surgió la pregunta, ¿Qué hacemos?, y de pronto fue el cine la mejor alternativa. No sabíamos que veríamos, solo que debería ser en 3D porque ella nunca había estado en algo así.

Llegamos al cine, y como casi siempre pasa los títulos no me llamaron mucho la atención pero “Gravity” era la alternativa en Tercera Dimensión.

Es gravedad el último film de Alfonso Cuaron. Una cinta minimalista en la construcción de su guion, su historia es sencilla, es decir, creo que al final el subtexto nos entrega como idea central el encuentro del ser humano con la desgracia y la capacidad de resiliencia de una raza sometida a su propio destino. 

Quizás una de las características destacables de la película son los timing que se permite el director para enfrentarnos a una situación que poco a poco se vuelve angustiante a quienes se enfrenta a la experiencia en la sala.  Cuaron logra de manera magistral hacernos sentir dentro de la  historia, la cámara subjetiva nos hace sentir perdidos en el espacio tanto como  Sandra Bullock en su personaje de una científica que por primera vez aborda un vuelo fuera de la tierra y que sobrevive a la muerte de una pequeña hija en su vida personal.

Según las palabras de Cuaron, la película es una Metáfora de la resistencia del humano, no necesariamente se resiste en el espacio o con historias heroicas, siempre se puede ser héroe. Eso queda bastante claro en el final de la cinta, la imagen que nos entrega el director de una mujer sobrepuesta y retornada a la tierra, el enfoque de la cámara al momento que ella se logra poner finalmente de pie ante la “naturaleza” es donde finalmente el director sella magistralmente su discurso.

Sobre mi amiga y su primera vez en el 3D, no me queda claro si comprendió finalmente el sentido de la técnica de la tercera dimensión, la verdad yo tampoco lo tengo tan claro, si puedo decir que esta cinta gana muchísimo en este formato, te hace sentir en el espacio exterior, sin embargo creo que se la película, por sencilla que parezca, se sostiene por si misma.

Las Cronicas de Narnia / 2005
Andrew Adamson / EEUU

Soy de aquellos que no llego a las Cronicas de Narnia cuando niño, que es la epoca mas habitual para contactarse con estos 7 libros. Fue en mi juventud, cuando ya estaba en la Universidad en que me encontre en los anaqueles de la biblioteca con estos tomos.
Habia escuchado hablar de C.S. Lewis en varias ocaciones, sobretodo en su faceta como Teologo, sin embargo jamas me habia aproximado a su obra y no fue una descepcion hacerlo. 

Bella pelicula muy cercana a la historia del libro, reminisencias claras al cristianismo centralizadas en el personaje del Leon Redentor Aslan. 

Quizas el momento mas esperado de la cinta es la aparicion del Leon, pues las descripciones de Lewis en las paginas de los libros lo presentan como un ser lleno de bondad y justicia y asi queda demostrado en la obra filmica.

Si alguien gusto de ver El Señor de los Anillos deberia saber que Tolken y Lewis tenian una mutua admiracion y las tematicas de la maldad humana y la lucha eterna entre el bien y el mal estan claramente presentes en ambas obras que ademas son contemporaneas.

Pelicula correcta, con momentos emocionantes como el de la batalla en la que te sientes uno de los niños en la lucha contra la bruja blanca.

Sera acaso la forma de escapar de los niños de una realidad tan adversa como una guerra y la lejania con sus padres la aparicion de esta historia del leon bueno y el ropero libertador de verdades dolorosas o es cierto que los seres humanos pueden pensar en vivir en historias paralelas en que la fe y el amor son triunfadores. Dos guerras una en el planeta tierra otra en Narnia pero no terminan de la misma forma, lamentablemente.

Vincent 1982 / Tim Burton / Inglaterra

Vincent / 1982 / Tim Burton /  Inglaterra

Vincent Malloy es sin duda alguna un alterego, una referencia infantil del pequeño Tim Burton. En este pequeño corto (en duración), Burton nos regala el primero de sus personajes, una matriz que utilizara mas adelante para muchos (por no decir todos) sus proyectos fílmicos.

En la técnica del Stop Motion, Tim Burton nos cuenta la historia de un niñito de 7 años de edad, que a diferencia de sus amiguitos de la misma edad, no corre por los jardines o parques del barrio, sino que se ingresa en un macabro juego donde el se cree VINCENT PRICE.

El pequeño Malloy se encierra en su casa y fantasea con convertir a su perro en un zombie y a su tía en una  estatua de cera, mientras recuerda los poemas de Edgar Allan Poe.

Con una estética oscura, en blanco y negro y con una preciosa musicalización, Burton refleja sus inquietudes de infancia y una cosmovisión que quedara plasma en cada uno de sus films.

La locura final de niño es perturbadora, sin embargo prefiero creer que su insanidad tiene mas que ver con asumir de una forma mas lúdica su percepción oscura del mundo, una especie de “enfermedad sin remedio”.

Preciosa y rica en poesia.

H / Lee Joung – Hyuk / 2003 / Corea del Sur

Me encontré una tarde con esta película en mi reproductor de DVDs, al prender el televisor me encuentro con la letra H en mayúscula y decido ingresar en esta cinta de la cual no tenia ninguna referencia.  Con la participación de asiáticos en la pantalla comienza mi pasar por este Thriller que nos cuenta la historia de un asesino en serie de mujeres embarazadas

“H” es el debut fílmico de Lee Joung – Hyunk, esta es una historia basada en el asesinato en serie de un grupo de mujeres que tenían en común el ser  embarazadas. Hacia 10 meses que había sido encarcelado y sentenciado a muerte un hombre que tenia al mismo modus operandis, pero extrañamente y con el asesino en prisión y en espera de la pena capital, los asesinatos comienzan a repetirse.

Así es como tres detectives, una mujer que había sufrido la pérdida de su prometido tras recibir el cuerpo trozado de la ultima victima del asesino serial, y dos hombres, de los cuales uno de ellos se obsesiona con el caso y lucha contra el tiempo y la mente del asesino prisionero para lograr detener la seguidilla de crímenes.

Tras un largo devenir, los detectives comienzan a encontrar ciertos cabos que los llevan a capturar a algunos criminales sin embargo los crímenes continúan.

Son poco los pasos que quedan por dar sin embargo la obsesión del detective se hace mayor aun y es enfrentado a sus propios fantasmas, pues su madre había sido una prostituta que nunca lo reconoció como  hijo sino como hermano para poder salir por las calles de Seul con su hijo de la mano para ofrecerse al mejor postor.

La cinta nos conducirá desde el principio a las respuestas, solo que una de ellas no  se solucionara hasta e final cuando descubrimos que el asesino original había sido victima de un intento de aborto por parte de su madre, el no pereció en este intento, sin embargo sus traumas y odios quedaron insertados en su cerebro y con la ayuda de una psiquiatra especialista en hechos de psicópatas le deja post hipnotizado a el y a una serie de otros “pacientes” los que llevaran a cabo los asesinatos.

Al final de la película descubrimos que el obseso policía fue hipnotizado por el criminal preso en una de sus varias entrevistas en la cárcel. Asi es como el detective termina degollando a madre prostituta en la playa (escena muy similar a la película “Flores de Fuego” de Takechi Kitano”)  Sus colegas policías observan el cadáver de la madre de su compañero y antes que el detective tome la iniciativa de suicidarse en asesinado por su compañera de trabajo en una suerte de fin de ciclo para su dolor por el suicidio de su novio.

Solo al final de la película la letra “H” cobra sentido cuando se devela la palabra “HIpnosis”.

La película tiene un interesante tiempo de desarrollo y si bien es cierto siempre sabremos que la cinta tendrá un final parecido al que desencadena, de todas maneras es grata la estética que nos plantea, muy a  la usanza de las cintas asiáticas clásicas de las ultimas décadas.

No es una película que debas ver, pero si tienes tiempo ponla al igual que yo en tu reproductor de discos.

Monsieur Hire / 1989 /Patrice Leconte / Francia

¿Que es el amor insano?. Siempre que nos hemos comprometido en una relación y esa no ha resultado ser la mas grata experiencia  decimos que es una “relación insana”, lo cierto es  nunca lo notamos claramente mientras estamos involucrados en ella. Nuestras historias de decepción nos marcan, nos hacen ser mas previsores en una próxima ocasión o simplemente nos relegan a un estado de apatía frente a EL AMOR.

El Señor Hire (Michel Blanc) es un hombre con una historia que no conocemos, solo sabemos que es un ermitaño, un espécimen raro hasta para Francia. Vive siendo acosado por sus vecinos y tratado como un bicho raro, solo por el hecho de no ser tan “extrovertido” como se le pide en la sociedad. ¿Pero eso acaso lo debe convertir en un criminal?.

Hire es metodito, especial si se quiere, no convive ni conversa con nadie, al parecer es un ser sin emociones pero cuando entramos en la noche y su intimidad se devela a nuestro ojos podremos apreciar que es capaz de sentir.  El Señor Hire noche tras noche se oculta en las sombras de su casa para espiar  a una bella jovencita que vive en el edificio de en frente. Eso podría parecernos enfermo, pero Hire no lo está, es mas bien un asustado ratoncillo que no quiere enfrentarse a sus emociones. Tiembla con el hecho de ser descubierto, pero no puede vivir sin sentir lo que ella le provoca.

Ella, Alice (Sandrine Bonnaire) es un ser diametralmente opuesto a Hire, es joven, enamorada de su turbio novio, pero también carente de algunas emociones. Quizás no se siente totalmente deseada. Es en el momento en que Hire es descubierto en su Voyerismo cuando todo cambiara. La joven se sentirá atraída por la sensación de ser observada y deseada y hará todo lo posible para hacer ingresar a Hire en una relación, sin embargo el extraño hombre solo buscara estar cerca de ella pero sin mostrar demasiados sentimientos.

En este punto la cinta nos muestra un conflicto ético. Seguir siendo un ser sin a o entregarse a la ultima posibilidad de tomar el tren de la felicidad en pareja.

Toda esta historia se da en el contexto de un crimen a una joven mujer muy parecida a Alice y del cual el principal inculpado es el mas raro del barrio, es decir Hire.

La traición final de la que es victima Hire y que provoca el climax de la cinta nos hace cuestionarnos muchas cosas: Es posible la lealtad en el amor, era realmente el ser mas extraño el hombre de gabardina negra o si era una buen a idea involucrar emociones nuevamente en alguien como Alice.

El final de la cinta es dramático, la inexorable llegada de la traición y la desilusión frente a la posibilidad de volver a amar casi nos da una advertencia sobre como enfrentar la vida en un mundo descorazonado.

Brillante película.

Susana (Carne y Demonio) / 1951 / Luis Buñuel / Mexico

Susana (Carne y Demonio) / 1951

Luis Buñuel / Mexico

 

Susana es el nombre de la Castidad y la pureza, pero venido de una película dirigida por Luis Buñuel debemos saber que cada elemento puede ser utilizado por su genio creativo para la sátira y la sorna sobre el mundo burgués.

Susana es una cinta del periodo Mexicano de Buñuel, la inmediatamente posterior a la compleja “Los Olvidados” de 1950 y triunfadora en el festival de Cannes. Es considerada una de las mejores películas Menores de Buñuel, y bajo una lectura superficial es una cinta meramente comercial. Sin embargo y como ya la experiencia de ver al español nos ha enseñado, no debemos quedarnos solo con la primera imagen de sus filmaciones sino que ver en cada detalle el sarcástico humor del surrealista director.

Susana es una joven que lleva mas de 15 años recluida en un reformatorio femenino, el comienzo de la película nos muestra a un grupo de monjas robustas que a duras penas logran poner en un calabozo a la muchacha por mala conducta, es Susana una belleza, una mujer clara con su despertar sexual a flor de piel y parece al principio una suerte de endemoniada, el resto de la cinta nos mostrara que es mas que eso, ella es el propio demonio.

Al verse recluida en un calabozo lleno de ratas, murciélagos y arañas le pide al dios de las cárceles que la liberé, lo que sucede de inmediato. 

Por otro lado el bien y la tranquilidad están reflejados en una familia terrateniente del campo mexicano, donde todos son un modelo de virtud. Don Guadalupe, el dueño de la hacienda es un marido modelo, trabajador, justo e incorruptible, su esposa un epitome de perfección, su hijo un joven amante de el estudio de la ciencia, un capataz de hacienda trabajador y leal y una perspicaz nana que logra captar que ante tal paradigma de felicidad una tormenta viene aproximándose, la llegada de Susana de forma subrepticia en medio de un vendaval.

La muchacha se muestra débil, encantadora (como Lolita de Kubrick), pero en si guarda un mal que buscara separar la familia y quedarse con todo lo que pueda.

Es ante una primera lectura una película sobreactuada y tontamente predecible, sin embargo en una visión un tanto mas profunda logramos ver los fetiches de Buñuel en toda su magnitud, aparición de erotismo funcional a la cinta ( el que le otorga gran parte de su éxito en Europa), sus permanentes criticas a la estupidez burguesa y a la religiosidad, sus paralelismos entre el clima y los animales con las realidades de la historia contada, entre otras.

Esta cinta quedo en el lugar numero 43 de las mejores 100 películas mexicanas y vale la pena ser vista.

A continuación dejo un comentario que me parece muy acertado de la cinta encontrado en la red.

 

PATAS ARRIBA

Cuando Buñuel expresaba su pensamiento, como al proclamar que lo moral para la burguesía era inmoral para él, los productores mexicanos se echaban a temblar. Al fin y al cabo, querían vender las películas al público. De hecho, impusieron un ‘happy end’. Buñuel siempre lamentó no haber acentuado más la descarada caricatura con que lo trató: simulacro de felicidad, los animales se curan de golpe, el tiempo se vuelve divino, y un rebaño de ovejas pasa por delante, camino del redil.

Hasta llegar a ese final, la potente narración preparada a partir del relato de Manuel Reachi ha puesto patas arriba la vida de una familia de apariencia ordenada, por obra de un personaje que consigue enemistar a esposos, a padres e hijos, a patrones y empleados. (Pasolini desarrolló a su manera la idea, en “Teorema”.)
Susana —nombre que, para empezar con los sarcasmos, simboliza castidad— es una joven feroz a la que tres fornidas guardianas del Reformatorio a duras penas encierran en una celda, en medio de una tremenda tormenta diseñada con toscos efectos de animación gótica. Tras concluir sus bramidos e improperios, Susana pide al dios de las cárceles, al creador de alacranes y ratas, un milagro que la saque de allí, para disponer al menos de la libertad de las víboras y las arañas.

Su aparición en un rancho cercano, mientras la tremenda tormenta sigue, es recibida como ‘cosa del diablo’ por la perspicaz criada, personaje dotado de vivo instinto popular, en la línea de Renoir. La joven los enciende a todos, a conciencia: al patrón, hombre recto que se puebla de impulsos; al hijo, joven estudioso pero receptivo a efluvios y blusas; y al capataz, galán y macho imparable. Buñuel hace juegos fetichistas con piernas y faldas (huevo roto resbalando por las rodillas) y detalla con agudeza el erotismo, la astucia y ambigüedad femeninas, la notoria estupidez masculina.
Gente hasta entonces armoniosa se torna irritable, nerviosa; rivalizan, se encelan, acechan la puerta. Una joven con piernas y escote, caliente, elemental, manipuladora, seductora sin ser vampiresa, más y más turbadora, saca la violencia latente en la modélica vida del rancho. El deseo y la tentación que encarna, esa fuerza ancestral, arrasa con familia e instituciones.
Lo resume una escena genial, de las que sintetizan un cosmos, marca de don Luis: el respetable patrón, agitado por la presencia de Susana, da a su esposa un beso apasionado y resulta extemporáneo, escandaloso.

Buñuel usa las falsillas de la religión para dar rienda a un sarcasmo tan característicamente suyo como el guión magnífico, de líneas concisas y eficaces, como los personajes de humanidad directa o como las observaciones de animales.

En los años mexicanos, el maestro sobrevive una vez más tirando de oficio, con cuatro pesos y un par de actores soberbios (Fernando Soler y Rosita Quintana). Y talento a espuertas. No falta en ninguna película suya, ni siquiera en las consideradas de segunda.

[A Inés]

 

El Dia mas Largo / 1962 / Ken Annakin / EEUU

El Día mas Largo / 1962

Ken Annakin / EEUU

En un tiempo en que la mayoría de las películas que Hollywood estrena están bañadas de efectos especiales digitales en una pantalla verde, recordar estos clásicos filmados en la época de oro del cine norteamericano es un verdadero agrado.

El mismo año en que Fox se estaba gastando el alma con la mega producción “Cleopatra”, otro monstruo fílmico nacía desde el mimo estudio. “The Longest Day” o “El día más Largo”. El Dia mas Largo es una cinta basada en el día 6 de Junio de 1944, en que las tropas aliadas ponen un punto de inflexión definitivo en la II Guerra mundial con el famoso “DIA D” en el desembarco de Normandía.

Varias son las características importantes a destacar de este filme. En primer lugar que cuenta con varias direcciones para diversos momentos del metraje,  El film fue dirigido globalmente por Ken Annakin quien además se hace cargo de los exteriores británicos, Andrew Marton en exteriores americanos, Gerd Oswald en escenas de los paracaidistas, Bernhard Wicki escenas alemanas además de Darryl F. Zanuck.

Pero esta epopeya cinematográfica no solo queda refrendada en la cantidad de directores que se ocupan en el titulo, sino que también en su nutridísimo staff de actores de primera línea que participan, algunos solo pasando algunos minutos en cámara y otros con actuaciones un tanto mas extendidas. El listado lo encabeza el único que es nombrado por separado en el reparto, John Wayne quien hace de un militar de alto rango que dirige a un grupo de paracaidistas, además forman parte de este reparto Eddie Albert, Jean-Louis Barrault, Richard Burton, Red Buttons, Sean Connery, Henry Fonda, Gert Frobe, Curt Jurgens, Peter Lawford, Robert Mitchum, Kenneth More, Edmond O'Brien, Robert Ryan, Jean Servais, Rod Steiger , Robert Wagner y Paul Anka entre otros.

La cinta además de estar inspirada en los hechos acaecidos durante el desembarco en la playa francesa de Normandía en la liberación aliada al país Galo, la cinta es una adaptación de la novela del mismo nombre de la película, escrita por Cornelius Ryan. El estudio previo a la película fue exhaustivo, con la intención de tener una mayor cercanía al lenguaje y actuar militar, los directores decidieron contar con asistencias de generales de todos los bandos en la Segunda Guerra Mundial, incluso se suman a la filmación a varios veteranos de la acción bélica.

El desarrollo de la película nos entrega momentos brillantes, tales como el desembarco aéreo en un pueblito tomado por los alemanes en Francia y la forma en que un joven paracaidista fue testigo de las matanzas desde la torre de una iglesia.

La película cuenta con esa brutalidad que se puede ver en algunas otra películas mas actuales para referirse a la II WW, mas bien, muestra una suerte de indiferencia frente a la muerte en el conflicto, sin embargo lo gigantesco de la producción que nos entrega momentos de batalla que la hacen ver como un documental (por la vivacidad de sus imágenes y por la elocuencia de su inmenso numero de combatientes (extras))

En momentos sobrecogedora y faraónica. En el guión un tanto débil. Quizás su momento mas notable es cuando en el centro de control alemán se dan cuenta de la debilidad de su líder Adolf Hitler.