Alas de Juventud / 1949

Antonio del Amo / España

"Alas de Juventud" es una mezcla de melodrama y comedia realizada en la España de 1949. 

Es inevitable para mi recordar el contexto histórico en el que se rueda esta película. Una cinta del periodo de la dictadura de Francisco Franco. Al comenzar la película nos encontramos con un ambiente marcial en sus créditos. Luego unas melodías de marchas militares y finalmente el agradecimiento de parte de el director a la Escuela de Aviación de España. Todo estaba dicho, una película de aquellas que tenia como finalidad exacerbar el espíritu Español en los ciudadanos. 

Varias menciones dentro de la cinta están dedicadas al "valor español", la importancia del Patria y la bandera entre otros comentarios que nos dejan claro que aquí el aparato censor del gobierno de Facto esta operando.  

La película como tal es entretenida y cuenta las aventuras de dos jóvenes que luchan por el amor de una muchacha que es casualmente la hija de uno de los generales. Uno de ellos representa el espíritu rebelde (un galán al estilo Elvis o Brando), el otro un estudiante modelo. 

Ambos se enfrentan a un acto de vida o muerte hacia la recta final de la cinta que define el proceso del amor por la joven y la lealtad de los amigos y militares.

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Fleke / 2011

Aldo Tardozzi / Croacia

Fleke es una pelicula contemporanea que habla sobre tematicas contemporaneas, las generaciones antiguas de la historia del cine nos enfrentaban (en muchos de los casos) a historias enormes, muchas de ellas que develan al ser humano de cuerpo entero en la ejemplificacion de los personajes en la pantalla. Pasado el tiempo, las peliculas se vuelven acotadas y monograficas. En ellas se utilizan historias sobre personas comunes y corrientes que vives situaciones en la vida. 

Fleke es una pelicula que nos cuenta la historia de la adolescencia de dos chicas de 17 años que no se conocen de antemano pero que viviran una experiencia que las unira "hasta la muerte"

Los dos personajes principales provienen de contextos distintos, una de ellas vive con sus padres y se siente supervigilada por ellos. Ella entonces busca ser "grande" huir de su realidad y concretar una experiencia sexual con su novio quien termina violandola en el asiento trasero de un taxi. 

La otra chica es una muchacha que tiene padres y familia de buen pasar, pero sus padres estan separados y tiene un medio hermano que le entrega drogas. Ella esta desamparada y busca dinero para seguir drogandose. Asi es como asalta a un taxista y escapa un tiro matando al conductor. 

Por las situaciones de la pelicula ambas se conocen hullendo, una de su novio abusador y la otra de la policia. 

Desde el momento en que se encuentras comienzan a vivir una historia de miedo, aceptacion y reconocimiento que las llevara a convertirse en "hermanas de la noche", sin embargo la fatalidad llegara de todas formas a sus vidas. 

Es una pelicula sencilla, entretenida pero con poca complejidad.

Niewue Gronden / 1933

Joris Ivens / Holanda

 

El Documentalista holandes Joris Ivens es uno de los mas destacados del mundo del cine en esta área de la imagen. Se destaco por su visión enérgica sobre la revolución y las diferencias y desigualdades entre los seres humanos.

Me he topado con este viaje por el séptimo arte con esta obra llamada Niewue Gronden o "Nueva Tierra". Una obra que primeramente nos aparece una visión técnica donde el triunfo de la humanidad sobre el planeta y la naturaleza.

"Tierra Nueva" afronta la titánica tarea de los Holandeses de ganar terreno al mar para hacer así mas espacios de terreno cultivable, con la original intención de hacer mas viable la vida de los holandeses y crear un nuevo "Granero del Mundo". La película nos introduce en esta labor gigantesca que implica el desecado del mar del norte para así dar paso a una tierra fertil.

Hacia el final del documento y cuando la tierra es conseguida nos podemos encontrar con la otra cara de la moneda, la mordaz critica del director que aborda al capitalismo y el crack económico de 1929 en Estados Unidos y que arrastra al resto de la humanidad. La masa humana esta hambrienta, hombres de todo el mundo mueren de inanición y las tierras fertiles de holanda y Argentina se levantan como la posibilidad de acabar con la hambruna, sin embargo es el capitalismo a ultranza el que vence a la humanidad y las semillas cosechadas son eliminadas por las grandes potencias y arrojadas al mismo mar ganado, arrojados sin contemplaciones ante los ojos de los necesitados.

Que brava imagen, que doloroso estado del hombre frente a la necesidad.

33 minutos de filmacion que muestran lo mejor del hombre y sus avances y lo mas oscuro y ruin del mismo.

Dato aparte. Este director, Joris Ivens, viajo a Norteamericana donde paso por el congreso por ser considerado ANTIAMERICA y PROCOMUNISTA. Además es este artista quien viajo a Valparaiso y desarrollo "A Valparaiso", una de las postales mas clásicas del puerto. 

Leter to Jane: Investigation about a Still / 1972

Jean-Luc Godart - Francia

Una carta para Jane (Jane Fonda), es una breve pelicula documental que se desprende directamente de la cinta "Tout Va Bien", tambien de Godart, editada y producida solo meses antes de esta y que tiene como finalidad hacer una critica directa al rol de la prensa, de occidente y de las castas de poder del "mundo libre", como se desarrolla a traves de la imagen un control de la mente de quienes asisten al teatro de la mente en occidente. 

Jane Fonda, junto con Ives Montand, son los protagonistas de Tout va bien, (confieso que no la he visto y seria mas claro para la comprencion del documental haberla visionado) y ambos protagonistas entiendes que esta es una cinta que da directo en los talones de la prensa, de su insersion en el proceso de "Revolucion" que se vive en diversos paises del mundo tras la segunda guerra mundial. 

Ives Montand habia marchado hasta Chile para grabar con Costa Gavras tras la filmacion con Godart y a participar del proceso revolucionario de nuestra tierra, mientras que Jane Fonda se dirigio a Vietnam para conocer la realidad "de cerca" de lo sucedido con los habitantes de Hanoi. Pero es una fotografia publicada en el diario frances Lexpress que llama la atencion de Godart y de Gorin, los dos directores y productores de ambos filmes citados.

Este documental esta basado solo en fotografias y es un estudio exaustivo y filosofico sobre el poder de la imagen. Me trajo recuerdos de Blowin Up de Antonioni, quien hace que la imagen y la forma de ser tomada cambie el valor de los hechos. La fotografia no puede hablar, pero quienes la hacen pueden hablar por ella.

Godart foma parte de un colectivo artistico llamado Grupo Dziga Vertov, un grupo de reivindicacion maoista al  director Ruso del mismo nombre.

Sumo ahora documento incluido en pagina "Memoriando"

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Letter to Jane. Esta pequeña película de 52 minutos es la compañera de Tout Va Bien (1972), al ser junto con ella las dos que cuestionan al papel de los intelectuales y los artistas en la revolución. Pero Letter to Jane funciona como un análisis de la imagen periodística, para luego ser también un análisis de la imagen en general y de su funcionamiento e importancia.

No hay ni una sola imagen en movimiento en esta película porque esta compuesta en su totalidad por imágenes de revistas. Godard y Gorin filmaron Tout Va Bien con la presencia de los actores Yves Montand y Jane Fonda (conocidos mundialmente como “artistas comprometidos socialmente” o “con conciencia social”). El objetivo era problematizar este rol en medio de las luchas proletarias post-Mayo del 68. Finalmente la película, que realiza una búsqueda en el terreno de la ficción y del documental, parece llegar a la conclusión de la importancia de situarse y pensarse en la historia.Ese mismo año Jane Fonda viajó a Vietnam como una visita de simpatía por el sufriente pueblo. Una fotografía suya con cara seria y rodeada de vietnamitas fue publicada en una revista francesa, que cuando fue vista por Godard y Gorin se desató la idea para Letter to Jane: Una película-carta en la cual ellos van a explicarle a ella y a nosotros qué es lo que realmente hizo Jane Fonda al ir a Vietnam. Lo que es sumamente interesante de todo esto es que se maneja sólo con imágenes periodísticas, lo que de alguna forma nos obliga a entender la importancia de las formas de las mismas. La foto es analizada exhaustivamente, reencuadrada, comparada con otras imágenes, con imágenes de Tout Va Bien (cuando intenta demostrar lo contradictorio entre su participación en esta película y su reciente acto), etc. También se logra un pequeño análisis sobre las formas de actuación en Hollywood, y hay algunas críticas más fuertes al comparar la forma de la foto con una foto de Richard Nixon.

Dentro de las películas filmadas por el Grupo Dziga Vertov, Letter to Jane es probablemente una de las más accesibles, porque es parte de su técnica la forma directa y descriptiva de explicar a las imágenes acompañadas por la lectura turnada en inglés de esta carta, y es en la que se puede ver más claramente reflejada la idea de un cine político que reflexiona a partir de las imágenes y su forma. Es también en mi opinión la más lograda, porque tiene la capacidad de incluir dentro de ella una síntesis del trabajo que ya llevaban haciendo desde 1968. (El Asado de Satàn)

“El mediometraje de Godard y Gorin A letter to Jane ["Carta para Jane"] (1972) es una suerte de contrapié, una crítica mordaz de una fotografía de Jane Fonda hecha durante una visita a Vietnam del Norte. (La película es además una lección ejemplar sobre cómo interpretar cualquier fotografía, cómo descifrar la naturaleza nada inocente de su encuadre, ángulo y enfoque). Lo que significó al publicarse en la revista francesa L’express -muestra a Jane Fonda, con expresión consternada y compasiva, atenta a un vietnamita anónimo que describe la devastación provocada por el bombardeo estadounidense- de algún modo revierte el significado que tuvo para los norvietnamitas que la dieron a conocer. Pero aún más decisiva que la alteración de la fotografía a causa de su nuevo contexto es cómo para los norvietnamitas el valor de uso revolucionario resultó saboteado por el pie que le dio L’express. ‘Esta fotografía, como cualquier otra -señalan Godard y Gorin-, es físicamente muda. Habla por boca del texto escrito debajo’. En efecto, las palabras dicen más que las imágenes. Los pies sí tienden a invalidar lo que es evidente a los propios ojos, pero ningún pie puede restringir o asegurar permanentemente el significado de una imagen.Lo que exigen los moralistas a una fotografía es algo que ninguna puede hacer jamás: hablar.” Susan Sontag -

A continuacion el Documental Citado.

http://vimeo.com/42027831

Why do the Jamaicans Run so Fast? (¿Porque los Jamaiquinos corren tan rápido?) / 2009

Miguel Galofré / España – Jamaica

 

Porque son tan rápidos los Jamaiquinos, esa es la pregunta que ronda todo este documental de una hora de duración que se enmarca en el fenómeno vivido durante el año 2008 en los Juegos Olímpicos de Beijing en China, en donde los velocistas jamaiquinos liderados por el sobrenatural Usain Bolt y los gigantes Asafa Powell, Shelly Anne Frasier, entre otros destacados atletas.

Así es que surge la incógnita en el mundo entero y una investigación con diferentes personajes de la sociedad isleña, cuestionándose sobre los diversos factores que involucran este superpoder especial que poseen sus coterráneos.

El mito se mezcla con la leyenda, la historia oficial de ser una isla de “lo peor” de los conquistadores, una especie de cárcel basurero humano, su alimentación, las continua violencia en las calles que los prepara para una hostil forma de vida que los obliga a correr para salvarse y un espíritu de superación además de los factores culturales como la música, la religión y la conexión con la fibra nacionalista son puntos explicativos de esta pregunta.

Con entrevistas a  los atletas quienes también hipotetizan sobre este cuestionamiento y la repetición de la emocionante experiencia de Beijing 2008 con cámaras en la isla para ver la reacción de la “familia jamaiquina” este es un documental para televisión bastante interesante, ademas, para los amantes del conocimiento musical, e reggae y el ska, este documento sirve para hacer un barniz sobre esta cultura.

Sakura no Mori no Mankai no Shita (El bosque, Bajo los cerezos en Flor) / 1975

Masahiro Shinoda / Japón.

La Cosmovisión oriental siempre ha sido un atractivo para nuestra occidental forma de enfrentar el mundo. Su historia, nunca estudiada en los colegios de nuestras sociedades europeizadas nos permite acceder en los planteamientos de esa área del mundo como en un mundo informe y poco claro, que solo nos ha regalado algunos parámetros y preámbulos para conocer.

La película “El Bosque, bajo los cerezos en flor” del director Masahiro Shinoda (uno de los 3 más importantes de la New Wave del cine japonés) está inspirada en un cuento/novela del destacado escritor nipón Ango Sakagushi quien crea esta historia fantástica, sobre muerte, asesinatos, fantasmas, bajas pasiones y amor enfermo, pero por sobre todo, me hace parecer que su temática principal fluye por la bestialidad del amor y la pasión y el encuentro de los mundos.

La historia comienza narrada por un niño, una voz en off que nos relata a un grupo de personas en la contemporaneidad que celebran el florecimiento del árbol del cerezo, pues eso indica la llegada de la primavera, sin embargo el mismo muchacho nos revela lo distinto que era esta festividad frente al profundo pavor que sentían generaciones pretéritas ante ese mismo árbol y el bosque de ellos, quien conducía a la locura de enfrentarlo en una época primaveral.

Desde aquí, la película nos  cambia el tiempo y nos lleva a los años 1500 app, en donde un brutal hombre domina los bosques y se siente “el dueño” de la foresta. El se da la maña de asesinar o robar a cualquiera que pase por “sus dominios”. En este transitar una delegación lleva a una mujer hermosa, Sima Iwishita (esposa del Director), el violento y bárbaro hombre (Tomisaburo Wakayama) asesina a la delegación, entre ellos al esposo de la mujer y a ella le perdona la vida por su hermosura, pero decide hacerla su esposa. En esta parte la película se nos torna jocosa, pues el violento hombre cae seducido por la mujer quien al poco andar comienza a mandar y demandar del bárbaro cuidados y tratos de reina, no de raptada. El “pobre Bárbaro” es víctima del amor.

A película de desarrolla en el bosque donde la bella mujer comienza a mostrar rápidamente su actitud sanguinaria mandando a matar a todas las esposas del bárbaro, dominándolo y obligándolo a descender del bosque a la ciudad.

Cuando la película pasa a desarrollarse en la urbe el bárbaro hombre queda convertido en un despojo, ni la violencia ni la fuerza del cazador y asesino le servían en este lugar. Surge la pregunta en el espectador acerca de la violencia de la ciudad, en ella se desarrolla una vida menos “salvaje”, pero que sobrepasa toda la violencia del más feroz. Edemas el hombre que fue atacado por la lujuria y  “Lamour Fou” es capaz de decapitar a cada ciudadano, por encargo de su enamorada con el fin de obtener el cuerpo de su amada. Pero hasta esto le termina por cansar. El deseo de regresar al bosque, el objetivo de dejar de temer a ese mar de árboles de  cerezo pues ya se luchó contra el más espeluznante de los bosques, el bosque humano.

La película aborda tantos factores humanos pero bañados con la cultura del oriente. Esto no quita que las historias desatadas tengan comparaciones en cualquier lugar del orbe.

Vale mucho la pena ver esta película. El trabajo de camaras es espectacular, las imagenes en el bosque son soprendentes y la magia captada en la cinta es realmente de las mejores vistas por su servidor.

Stay: Live at the Royal Albert Hall / 2007

Simply Red / Inglaterra

Un maduro Mick Hucknall se enfrenta por enésima vez al escenario del Royal Albert Hall, uno de los más importantes teatros de Inglaterra y el mundo. Se ha preocupado que su primera experiencia con el coliseo (como el lo define, un espacio frio y cavernoso), no se repita en ese grado de frialdad y con un cálido ambiente de luces, una cercanía que el líder de la banda esta acostumbrado a tener con su público y un set de canciones que va prendiendo el espectáculo hasta llevarlo a un clímax final, Simply Red desarrolla un extraordinario show que se centra en el lanzamiento correspondiente de 2007 llamado Stay, un disco de nuevas composiciones que muestra casi al completo hasta la primera mitad del show para dar paso, después, a una seguidilla de hits que prenden al público conformado básicamente por chicas. 

El DVD contiene además un set de 3 canciones de la misma gira grabadas en Ámsterdam.

Within Out Gates / 1920

Oscar Micheaux / EEUU

Oscar Micheaux es un director de cine particular en la historia del celuloide. Es uno de los primeros negros en dirigir y uno de los más influyentes en la historia del cine de primera época . Luego de haber vivido una infancia llena de carencias, las carencias típicas de un niño o joven de color en los Estados unidos del siglo XIX y principios del XX. Se dedicó en este tiempo a ser un empeñoso lustrabotas y ayudante de carpintero, sin embargo logro con esfuerzo adquirir un pequeño terreño donde se dedicó a escribir novelas que vendía de granja en granja por el campo norteamericano.

Luego de un tiempo dedica su tiempo al cine, colaborando con el pionero (y racista D. Griffith) pero dando paso rápidamente a sus propias producciones.

El trabajo de Oscar Micheaux no es preciosista ni de alto nivel como el de otros de sus colegas, sino más bien, una obra basada en planos sencillos y no de la mejor factura, sin embargo logro un interesante éxito entre los diversos productores y directores de cine de la época dedicándose a la cinematografía para negros.

La película Within out Gates es una historia (o varias historias) sobre el ser negro, el estar en tela de juicio solo el hecho de tener un color diferente y la enorme cantidad de carencias que poseía este grupo social en dicha época.

La película está protagonizada por Evelyn Preer, una destacada artista de color de la época, quien interpreta a una joven profesora que sufre por la mano de su prima quien boicotea su noviazgo con un militar de color. Tras ese doloroso suceso lleno de violencia, la profesora se introduce en una escuela de negros en Mississipi en donde intenta ayudar, pero los presupuestos no le permiten continuar con esta labor. Así es como ella sale a buscar un apoyo económico que encuentra de manos de una benefactora y del apoyo de un médico que termina enamorándose de ella.

Quizás los fragmentos más interesantes de la película dicen relación con el final de la historia, donde somos introducidos a la historia de infancia de la muchacha, quien es adoptada por un matrimonio de negros que trabajan en una granja. La joven está interesada en estudiar y su padre le pedirá a su “señor” que le permita conseguir los recursos para ello, pero en un confuso incidente el hombre es acusado de asesinar a su patrón, es por esto linchado con toda la familia y ahorcado. La muchacha se salva de la muerte pero es abusada por un pariente del patrón muerto, quien resultaría ser su padre biológico.

La cinta es cruda en varios aspectos e históricamente censurada por sus escenas de linchamientos y ajusticiamientos públicos. Además enseña la falta de hermandad que poseen algunos negros entre si que buscaban congraciarse con su patrón pasando a llevar a sus propios congéneres.

La cinta es una de las pocas que aún existen de este director, fue encontrada en 1990 en una biblioteca en España y al parecer no está completa. Fue ingresada tras este hallazgo  a la historia grande del cine mundial y hoy por hoy está disponible en youtube para el goce universal.

Aquí la dejo.