Vincent 1982 / Tim Burton / Inglaterra

Vincent / 1982 / Tim Burton /  Inglaterra

Vincent Malloy es sin duda alguna un alterego, una referencia infantil del pequeño Tim Burton. En este pequeño corto (en duración), Burton nos regala el primero de sus personajes, una matriz que utilizara mas adelante para muchos (por no decir todos) sus proyectos fílmicos.

En la técnica del Stop Motion, Tim Burton nos cuenta la historia de un niñito de 7 años de edad, que a diferencia de sus amiguitos de la misma edad, no corre por los jardines o parques del barrio, sino que se ingresa en un macabro juego donde el se cree VINCENT PRICE.

El pequeño Malloy se encierra en su casa y fantasea con convertir a su perro en un zombie y a su tía en una  estatua de cera, mientras recuerda los poemas de Edgar Allan Poe.

Con una estética oscura, en blanco y negro y con una preciosa musicalización, Burton refleja sus inquietudes de infancia y una cosmovisión que quedara plasma en cada uno de sus films.

La locura final de niño es perturbadora, sin embargo prefiero creer que su insanidad tiene mas que ver con asumir de una forma mas lúdica su percepción oscura del mundo, una especie de “enfermedad sin remedio”.

Preciosa y rica en poesia.

H / Lee Joung – Hyuk / 2003 / Corea del Sur

Me encontré una tarde con esta película en mi reproductor de DVDs, al prender el televisor me encuentro con la letra H en mayúscula y decido ingresar en esta cinta de la cual no tenia ninguna referencia.  Con la participación de asiáticos en la pantalla comienza mi pasar por este Thriller que nos cuenta la historia de un asesino en serie de mujeres embarazadas

“H” es el debut fílmico de Lee Joung – Hyunk, esta es una historia basada en el asesinato en serie de un grupo de mujeres que tenían en común el ser  embarazadas. Hacia 10 meses que había sido encarcelado y sentenciado a muerte un hombre que tenia al mismo modus operandis, pero extrañamente y con el asesino en prisión y en espera de la pena capital, los asesinatos comienzan a repetirse.

Así es como tres detectives, una mujer que había sufrido la pérdida de su prometido tras recibir el cuerpo trozado de la ultima victima del asesino serial, y dos hombres, de los cuales uno de ellos se obsesiona con el caso y lucha contra el tiempo y la mente del asesino prisionero para lograr detener la seguidilla de crímenes.

Tras un largo devenir, los detectives comienzan a encontrar ciertos cabos que los llevan a capturar a algunos criminales sin embargo los crímenes continúan.

Son poco los pasos que quedan por dar sin embargo la obsesión del detective se hace mayor aun y es enfrentado a sus propios fantasmas, pues su madre había sido una prostituta que nunca lo reconoció como  hijo sino como hermano para poder salir por las calles de Seul con su hijo de la mano para ofrecerse al mejor postor.

La cinta nos conducirá desde el principio a las respuestas, solo que una de ellas no  se solucionara hasta e final cuando descubrimos que el asesino original había sido victima de un intento de aborto por parte de su madre, el no pereció en este intento, sin embargo sus traumas y odios quedaron insertados en su cerebro y con la ayuda de una psiquiatra especialista en hechos de psicópatas le deja post hipnotizado a el y a una serie de otros “pacientes” los que llevaran a cabo los asesinatos.

Al final de la película descubrimos que el obseso policía fue hipnotizado por el criminal preso en una de sus varias entrevistas en la cárcel. Asi es como el detective termina degollando a madre prostituta en la playa (escena muy similar a la película “Flores de Fuego” de Takechi Kitano”)  Sus colegas policías observan el cadáver de la madre de su compañero y antes que el detective tome la iniciativa de suicidarse en asesinado por su compañera de trabajo en una suerte de fin de ciclo para su dolor por el suicidio de su novio.

Solo al final de la película la letra “H” cobra sentido cuando se devela la palabra “HIpnosis”.

La película tiene un interesante tiempo de desarrollo y si bien es cierto siempre sabremos que la cinta tendrá un final parecido al que desencadena, de todas maneras es grata la estética que nos plantea, muy a  la usanza de las cintas asiáticas clásicas de las ultimas décadas.

No es una película que debas ver, pero si tienes tiempo ponla al igual que yo en tu reproductor de discos.

Monsieur Hire / 1989 /Patrice Leconte / Francia

¿Que es el amor insano?. Siempre que nos hemos comprometido en una relación y esa no ha resultado ser la mas grata experiencia  decimos que es una “relación insana”, lo cierto es  nunca lo notamos claramente mientras estamos involucrados en ella. Nuestras historias de decepción nos marcan, nos hacen ser mas previsores en una próxima ocasión o simplemente nos relegan a un estado de apatía frente a EL AMOR.

El Señor Hire (Michel Blanc) es un hombre con una historia que no conocemos, solo sabemos que es un ermitaño, un espécimen raro hasta para Francia. Vive siendo acosado por sus vecinos y tratado como un bicho raro, solo por el hecho de no ser tan “extrovertido” como se le pide en la sociedad. ¿Pero eso acaso lo debe convertir en un criminal?.

Hire es metodito, especial si se quiere, no convive ni conversa con nadie, al parecer es un ser sin emociones pero cuando entramos en la noche y su intimidad se devela a nuestro ojos podremos apreciar que es capaz de sentir.  El Señor Hire noche tras noche se oculta en las sombras de su casa para espiar  a una bella jovencita que vive en el edificio de en frente. Eso podría parecernos enfermo, pero Hire no lo está, es mas bien un asustado ratoncillo que no quiere enfrentarse a sus emociones. Tiembla con el hecho de ser descubierto, pero no puede vivir sin sentir lo que ella le provoca.

Ella, Alice (Sandrine Bonnaire) es un ser diametralmente opuesto a Hire, es joven, enamorada de su turbio novio, pero también carente de algunas emociones. Quizás no se siente totalmente deseada. Es en el momento en que Hire es descubierto en su Voyerismo cuando todo cambiara. La joven se sentirá atraída por la sensación de ser observada y deseada y hará todo lo posible para hacer ingresar a Hire en una relación, sin embargo el extraño hombre solo buscara estar cerca de ella pero sin mostrar demasiados sentimientos.

En este punto la cinta nos muestra un conflicto ético. Seguir siendo un ser sin a o entregarse a la ultima posibilidad de tomar el tren de la felicidad en pareja.

Toda esta historia se da en el contexto de un crimen a una joven mujer muy parecida a Alice y del cual el principal inculpado es el mas raro del barrio, es decir Hire.

La traición final de la que es victima Hire y que provoca el climax de la cinta nos hace cuestionarnos muchas cosas: Es posible la lealtad en el amor, era realmente el ser mas extraño el hombre de gabardina negra o si era una buen a idea involucrar emociones nuevamente en alguien como Alice.

El final de la cinta es dramático, la inexorable llegada de la traición y la desilusión frente a la posibilidad de volver a amar casi nos da una advertencia sobre como enfrentar la vida en un mundo descorazonado.

Brillante película.

Susana (Carne y Demonio) / 1951 / Luis Buñuel / Mexico

Susana (Carne y Demonio) / 1951

Luis Buñuel / Mexico

 

Susana es el nombre de la Castidad y la pureza, pero venido de una película dirigida por Luis Buñuel debemos saber que cada elemento puede ser utilizado por su genio creativo para la sátira y la sorna sobre el mundo burgués.

Susana es una cinta del periodo Mexicano de Buñuel, la inmediatamente posterior a la compleja “Los Olvidados” de 1950 y triunfadora en el festival de Cannes. Es considerada una de las mejores películas Menores de Buñuel, y bajo una lectura superficial es una cinta meramente comercial. Sin embargo y como ya la experiencia de ver al español nos ha enseñado, no debemos quedarnos solo con la primera imagen de sus filmaciones sino que ver en cada detalle el sarcástico humor del surrealista director.

Susana es una joven que lleva mas de 15 años recluida en un reformatorio femenino, el comienzo de la película nos muestra a un grupo de monjas robustas que a duras penas logran poner en un calabozo a la muchacha por mala conducta, es Susana una belleza, una mujer clara con su despertar sexual a flor de piel y parece al principio una suerte de endemoniada, el resto de la cinta nos mostrara que es mas que eso, ella es el propio demonio.

Al verse recluida en un calabozo lleno de ratas, murciélagos y arañas le pide al dios de las cárceles que la liberé, lo que sucede de inmediato. 

Por otro lado el bien y la tranquilidad están reflejados en una familia terrateniente del campo mexicano, donde todos son un modelo de virtud. Don Guadalupe, el dueño de la hacienda es un marido modelo, trabajador, justo e incorruptible, su esposa un epitome de perfección, su hijo un joven amante de el estudio de la ciencia, un capataz de hacienda trabajador y leal y una perspicaz nana que logra captar que ante tal paradigma de felicidad una tormenta viene aproximándose, la llegada de Susana de forma subrepticia en medio de un vendaval.

La muchacha se muestra débil, encantadora (como Lolita de Kubrick), pero en si guarda un mal que buscara separar la familia y quedarse con todo lo que pueda.

Es ante una primera lectura una película sobreactuada y tontamente predecible, sin embargo en una visión un tanto mas profunda logramos ver los fetiches de Buñuel en toda su magnitud, aparición de erotismo funcional a la cinta ( el que le otorga gran parte de su éxito en Europa), sus permanentes criticas a la estupidez burguesa y a la religiosidad, sus paralelismos entre el clima y los animales con las realidades de la historia contada, entre otras.

Esta cinta quedo en el lugar numero 43 de las mejores 100 películas mexicanas y vale la pena ser vista.

A continuación dejo un comentario que me parece muy acertado de la cinta encontrado en la red.

 

PATAS ARRIBA

Cuando Buñuel expresaba su pensamiento, como al proclamar que lo moral para la burguesía era inmoral para él, los productores mexicanos se echaban a temblar. Al fin y al cabo, querían vender las películas al público. De hecho, impusieron un ‘happy end’. Buñuel siempre lamentó no haber acentuado más la descarada caricatura con que lo trató: simulacro de felicidad, los animales se curan de golpe, el tiempo se vuelve divino, y un rebaño de ovejas pasa por delante, camino del redil.

Hasta llegar a ese final, la potente narración preparada a partir del relato de Manuel Reachi ha puesto patas arriba la vida de una familia de apariencia ordenada, por obra de un personaje que consigue enemistar a esposos, a padres e hijos, a patrones y empleados. (Pasolini desarrolló a su manera la idea, en “Teorema”.)
Susana —nombre que, para empezar con los sarcasmos, simboliza castidad— es una joven feroz a la que tres fornidas guardianas del Reformatorio a duras penas encierran en una celda, en medio de una tremenda tormenta diseñada con toscos efectos de animación gótica. Tras concluir sus bramidos e improperios, Susana pide al dios de las cárceles, al creador de alacranes y ratas, un milagro que la saque de allí, para disponer al menos de la libertad de las víboras y las arañas.

Su aparición en un rancho cercano, mientras la tremenda tormenta sigue, es recibida como ‘cosa del diablo’ por la perspicaz criada, personaje dotado de vivo instinto popular, en la línea de Renoir. La joven los enciende a todos, a conciencia: al patrón, hombre recto que se puebla de impulsos; al hijo, joven estudioso pero receptivo a efluvios y blusas; y al capataz, galán y macho imparable. Buñuel hace juegos fetichistas con piernas y faldas (huevo roto resbalando por las rodillas) y detalla con agudeza el erotismo, la astucia y ambigüedad femeninas, la notoria estupidez masculina.
Gente hasta entonces armoniosa se torna irritable, nerviosa; rivalizan, se encelan, acechan la puerta. Una joven con piernas y escote, caliente, elemental, manipuladora, seductora sin ser vampiresa, más y más turbadora, saca la violencia latente en la modélica vida del rancho. El deseo y la tentación que encarna, esa fuerza ancestral, arrasa con familia e instituciones.
Lo resume una escena genial, de las que sintetizan un cosmos, marca de don Luis: el respetable patrón, agitado por la presencia de Susana, da a su esposa un beso apasionado y resulta extemporáneo, escandaloso.

Buñuel usa las falsillas de la religión para dar rienda a un sarcasmo tan característicamente suyo como el guión magnífico, de líneas concisas y eficaces, como los personajes de humanidad directa o como las observaciones de animales.

En los años mexicanos, el maestro sobrevive una vez más tirando de oficio, con cuatro pesos y un par de actores soberbios (Fernando Soler y Rosita Quintana). Y talento a espuertas. No falta en ninguna película suya, ni siquiera en las consideradas de segunda.

[A Inés]

 

El Dia mas Largo / 1962 / Ken Annakin / EEUU

El Día mas Largo / 1962

Ken Annakin / EEUU

En un tiempo en que la mayoría de las películas que Hollywood estrena están bañadas de efectos especiales digitales en una pantalla verde, recordar estos clásicos filmados en la época de oro del cine norteamericano es un verdadero agrado.

El mismo año en que Fox se estaba gastando el alma con la mega producción “Cleopatra”, otro monstruo fílmico nacía desde el mimo estudio. “The Longest Day” o “El día más Largo”. El Dia mas Largo es una cinta basada en el día 6 de Junio de 1944, en que las tropas aliadas ponen un punto de inflexión definitivo en la II Guerra mundial con el famoso “DIA D” en el desembarco de Normandía.

Varias son las características importantes a destacar de este filme. En primer lugar que cuenta con varias direcciones para diversos momentos del metraje,  El film fue dirigido globalmente por Ken Annakin quien además se hace cargo de los exteriores británicos, Andrew Marton en exteriores americanos, Gerd Oswald en escenas de los paracaidistas, Bernhard Wicki escenas alemanas además de Darryl F. Zanuck.

Pero esta epopeya cinematográfica no solo queda refrendada en la cantidad de directores que se ocupan en el titulo, sino que también en su nutridísimo staff de actores de primera línea que participan, algunos solo pasando algunos minutos en cámara y otros con actuaciones un tanto mas extendidas. El listado lo encabeza el único que es nombrado por separado en el reparto, John Wayne quien hace de un militar de alto rango que dirige a un grupo de paracaidistas, además forman parte de este reparto Eddie Albert, Jean-Louis Barrault, Richard Burton, Red Buttons, Sean Connery, Henry Fonda, Gert Frobe, Curt Jurgens, Peter Lawford, Robert Mitchum, Kenneth More, Edmond O'Brien, Robert Ryan, Jean Servais, Rod Steiger , Robert Wagner y Paul Anka entre otros.

La cinta además de estar inspirada en los hechos acaecidos durante el desembarco en la playa francesa de Normandía en la liberación aliada al país Galo, la cinta es una adaptación de la novela del mismo nombre de la película, escrita por Cornelius Ryan. El estudio previo a la película fue exhaustivo, con la intención de tener una mayor cercanía al lenguaje y actuar militar, los directores decidieron contar con asistencias de generales de todos los bandos en la Segunda Guerra Mundial, incluso se suman a la filmación a varios veteranos de la acción bélica.

El desarrollo de la película nos entrega momentos brillantes, tales como el desembarco aéreo en un pueblito tomado por los alemanes en Francia y la forma en que un joven paracaidista fue testigo de las matanzas desde la torre de una iglesia.

La película cuenta con esa brutalidad que se puede ver en algunas otra películas mas actuales para referirse a la II WW, mas bien, muestra una suerte de indiferencia frente a la muerte en el conflicto, sin embargo lo gigantesco de la producción que nos entrega momentos de batalla que la hacen ver como un documental (por la vivacidad de sus imágenes y por la elocuencia de su inmenso numero de combatientes (extras))

En momentos sobrecogedora y faraónica. En el guión un tanto débil. Quizás su momento mas notable es cuando en el centro de control alemán se dan cuenta de la debilidad de su líder Adolf Hitler.

Four Sons / 1928 / John Ford / EEUU

The Four Sons / 1928

John Ford / EEUU

Digan lo que digan el cine mudo tiene una profundidad especial. No se bien si son los colores en Blanco y negro que en su mayoría tienen las cintas de este tipo o quizás el manierismo que contienen las teatrales actuaciones de los actores de ellas, o sencillamente el hecho de ser documentos históricos reservados para la posteridad.

Sea como sea, amo las películas mudas de buena calidad y esta es realmente una de las buenas que me ha tocado ver. En esta cinta el maestro Norteamericano – Irlandés John Ford quien nos sitúa no su clásico Estados Unidos, sino que en Bavaria, una zona de Alemania en donde el catolicismo y el ambiente idílico de la ruralidad estaban súper presentes en los primeros años del siglo XX.  En este contexto geográfico se nos enseña a una familia “perfecta”: Una madre  (Margaret Mann) en una magnifica actuación. Ella es la progenitora de 4 hijos que muestran sus características mientras transcurre la película y en una genial introducción de director, mientras la abnegada madre pone la ropa lavada y planchada en los distintos cajones marcados con los nombres de sus cuatro adoraciones.

Sus hijos son 4 muchachos bastante normales que viven en el bucólico ambiente Bavaro, sin embargo la felicidad no podría durar para siempre y la primera guerra mundial azotará a Europa. En ella sus jóvenes hijos serán llamados a unirse a las filas Alemanas en contra de Rusia. Por otro lado, el mayor de los hermanos emprenderá rumbo a America a cumplir el “American Dream”. Como no, este joven encontrará en el nuevo continente el amor, el surgimiento económico en un país que se desarrolla neutral en la Guerra y prontamente este buen ambiente logra que el muchacho sea padre de un pequeño Norteamericano, la nueva generación será el retoño de la nueva forma de entender el mundo el éxito del capitalismo.

Tras los acontecimientos históricos EEUU ingresa en la guerra y el joven Alemán deberá ingresar a la conflagración para luchar contra su país natal.

Quizás uno de los momentos mas dramáticos de la cinta ocurre cuando el bonachón cartero del pueblo debe llevar una carta con dolorosas noticias a la anciana madre protagonista, en ella se dice que los dos hijos que se han dirigido a la guerra ya no podrán volver jamás. La adolorida madre solo queda con el cuidado de su hijo menor quien es llamado también a la guerra por un oscuro general que acusa a la anciana madre de haber criado a un traidor a la Madre Patria que ahora esta en frente apoyando a los Estados unidos.

El general es un personaje interesante dentro de la cinta, es el típico hombre que llama orgulloso a la guerra pero jamás se salpica las manos de sangre en el frente de batalla (este nos recuerda al profesor en “sin novedad en el Frente”). 

La película nos llevara a un suceso terrible, en Francia Alemanes y Americanos combatirán cuerpo a cuerpo en la guerra de trincheras, en ella el hermano norteamericano se encontrara con un soldado enemigo moribundo. Su sorpresa será máxima cuando se de cuenta que este muchacho agonizante es su propio hermano menor.

Aquí la película para mi debió haber terminado, sin embargo tras el armisticio el muchacho triunfador regresa a America, en donde ve como su esposa ha logrado hacer de su pequeño emprendimiento una gran empresa y ahora regresa a hacerse cargo de una vida abandonada tras la guerra.

El hijo del joven soldado le entregara una frase de alta inocencia pero de conmovedora realidad. “Papa has regresado, pero olvidaste traer a la abuela”. Es así como comienza la búsqueda del norteamericano por su deseo de traer a su madre al nuevo mundo. En estas escenas se vive la felicidad de la anciana en su anhelo por reencontrarse con su única ligazón real con el mundo, su hijo y su nieto para ella es desconocido aun. Antes de llegar a America deberá pasar por dos situaciones que le harán mas difícil su entrada a la “tierra prometida”. Ella deberá en Alemania aprender a leer y escribir y pasar por un examen en su tierra donde recibirá el apoyo de todos los niños y el profesor de la escuelita del pueblo, pero cuando arriba a New York por el miedo y los nervios olvida el abecedario y ella queda relegada a una reexaminación a la mañana siguiente.

Su hijo aguarda con impaciencia la salida de la anciana madre pero ella en un acto de rebeldía (único en la cinta) abandona la isla y se cuela por una puerta para ingresar a la Megalópolis.

El desenlace de la película llega cuando la madre logra llegar con ayuda de un policía a la casa de su hijo y al regresar de la búsqueda la encuentra durmiendo junto a su nieto.

Una película de gran factura técnica y alto costo de producción y uno de los puntos altos de ese año en la creación cinematográfica.  

Nosotros los Pobres / 1947 / Ismael Rodriguez / México

Nosotros los Pobres / 1947

Ismael Rodríguez / México

 

No puedo negar que esta película me causo un tremendo impacto. Que indefinible cinta, es a veces un musical, en otras ocasiones una película con toques surrealistas, un melodrama en gran parte de su metraje y una comedia en ciertos momentos.

“Nosotros los pobres” es una película en que la “Familia Mexicana” se siente reflejada, desde su creación en un radio teatro a principios de los 40s hasta su exposición en las pantallas de los cines siempre fue una expresión viva del mas humilde de los habitantes de México, tan así es que hasta el día de hoy es la película mas vista y recordada de la historia del celuloide en ese país.

La película cuenta la historia de gente humilde en un barrio humilde de Ciudad de México, en esta vecindad vive Pepe “El Toro” interpretado por el ídolos azteca Pedro infante, uno de los mas grandes artistas de estas tierras. Pepe es un carpintero que cuida de su madre (paralítica por una razón que la cinta develará) y a su supuesta hija, pues se supone que ha quedado viudo hace mucho tiempo. Su facha le hace ser el hombre mas deseado del barrio, sin embargo debe luchar con los celos de su preadolescente niña. Como imaginarán, Infante canta varias canciones en la película, entre ellas la histórica “Amorcito Corazón”, que hasta ahora es un himno de la música de México.

Los primeros minutos no son muy gratos, algunos personajes se roban la película, están dos borrachitas típicas de cualquier barrio de America latina que están permanentemente buscando un chisme para entretenerse y llenar sus vacías existencias, si bien es cierto son personajes simpáticos a mi me cansan un poco porque desvían la atención de la historia central, de hecho cuando no has visto aun la película completa crees que ellas son mas importantes en la trama de lo que realmente son. En estos momentos estoy apunto de parar el disco y dejar para otro día la sesión de cine, sin embargo algo hace que me detenga. En el día de muertos (fecha muy importante para la gente en México) la pequeña Chachita, la hija de Pepe el Toro va a dejar algunas flores a la tumba de su madre, hasta que se da cuenta que esa tumba no es la de su mama. Aquí comienza la verdadera acción de la cinta.

Al igual que en varias películas de Buñuel o de otros directores latinoamericanos la riqueza se asocia con la maldad y la pobreza con la bondad. Así en esta película el rico esta representado por un Abogado fantoche que cree que puede comprar todo con dinero, incluso el amor de una humilde mujer. Además se suma otro personaje de condición humilde pero malvado, es el padrastro de la enamorada de Pepe el Toro, un hombre que se aprovecha de la condición de Pepe y le roba un dinero al Carpintero lo que lo llevara a ser cómplice de un delito y terminar pagando en la cárcel por deudor y presunto asesino.

La película cuenta con escenas realmente interesantes. Sobretodo los momentos en la prisión, los toques surrealistas cuando el padrastro de la novia de Pepe (la Chorreada) enloquece tras la culpa por el robo y otros instantes de profundo dramatismo como el embargo a la casa de Pepe mientras el está en prisión o las muertes simultaneas de la Madre de Pepe y Chachita.

Pepe el Toro actúa bajo su propia ley, es un hombre que no logra ver al derecho como algo que le ayude, la frase “la ley es como la serpiente, sólo pica a quien está descalzo” es una realidad para cada pobre en el mundo y claramente Pepe es el paradigma de esta clase.  El director de  “Nosotros los Pobres” nos habla con dramatismo y manierismo de la pobreza. Es por eso que los mexicanos hacen suya esta película, la gente mas pobre se volcó a las salas de proyección para verse reflejado en las mismas.

Es una cinta dramática e idílica con algunas referencias al neorrealismo italiano. Importantísima de ver, no se arrepentirá.

 Enlace pelicula Completa

http://www.youtube.com/movie?v=rgxDXcI1e6I&ob=av1n&feature=mv_sr

Alerta Maxima 2: Territorio Oscuro / 1995 / Geoff Murphy

Alerta Máxima 2: Territorio Oscuro / 1995

Geoff Murphy / EEUU

Como un cocinero que sabe artes marciales y es capaz de convertirse en un arma de destrucción masiva puede encontrase en 2 situaciones tan limites como en la captura de un barco por rockeros terroristas ( Alerta Máxima I ) y tres años mas tarde formar parte de los pasajeros de un tren que será secuestrado por un loco ex agente de la NASA que desea destruir el mundo con el “Escudo Antimisiles” de los Estados  Unidos. Eso rara vez pasaría en la vida real, pero si se trata de un cocinero llamado Casey Rayback Steven Seagal, esto podría ocurrir mil veces mas.

La película Alerta Máxima fue la mas taquillera de Seagal y claramente no se hizo esperar una secuela en la que el ya retirado militar y ahora Chef inicia un viaje para conocer mejor a su sobrina Sarah Katherine Heigl quien ha perdido a su padre hace poco y de alguna manera esta resentida con su tio. Es asi como toman un avión que los dirigirá hasta California. Lo que ellos no sabían era que ese mismo tren seria tomado de rehen por un grupo de psicópatas comandados por el cerebro de Travis Dane Eric Bogosian. Un ex miembro de la NASA que amenaza con acabar con el mundo tal como se conoce con las armas de destrucción masiva instaladas en los satélites de defensa de los Estados Unidos.

Alerta Maxima dos no supera a la primera, pero que importa eso si está Steven Seagal, una suerte de Chuck Norris de los 90s que acaba con cuchillos de cocina y artes marciales con cualquier enemigo.

Falta de mas acción cuerpo a cuerpo y la aparición del clásico “negrito simpático” que sin saber nada de peleas acaba como héroe gracias a unas clases Express de Rayback.

Impagable final con Rayback llevando a su sobrina al cementerio a ver a su padre fallecido.