martes, 31 de mayo de 2011

Monte Carlo / 1930 / Ernest Lubitsch / EEUU


Monte Carlo /1930
Ernst Lubitsch / EEUU

Monte Carlo es una comedia romántica y además un musical, y era que no, si Ernst Lubitsch fue uno de los primeros maestros del cine en destacarse en el genero del canto en el celuloide. 

Esta cinta surge tras el éxito que logro el director con la protagonista de este film, Jeanette Mcdonald, quien durante el año 1929 interpreta la película “The Love Parade”, que significo un rotundo triunfo para la Paramount. Así fue como Lubitsch intenta repetir la formula de triunfo, sin embargo en esta ocasión este no llegara a golpear la puerta de su estudio. Algunos plantean que el error estuvo en el casting y sobretodo en el coprotagonista, el ingles Jack Buchanan, planteándose que no alcanza los niveles de calidad que le ofrece su contraparte femenina haciendo finalmente que la cinta pierda  su encanto.

Esta es la historia de una aristócrata que se casará con un adinerado hombre también de alcurnia (un conde) pero la bella mujer decide huir por tercera vez del matrimonio poruqe no ama a su novio arrancando a la ciudad de Monte Carlo donde con el poco dinero que le queda intentara hacer suerte en el casino. La fortuna claramente no llegara de manos del juego sino de un hombre también de la aristocracia que se hace pasar por un peluquero para ganarse su confianza y su amor.

 La escena del inicio de la cinta augura una gran película expresando ironía y frescura, sin embargo, como pasa con muchos musicales,  se pierde consistencia con el canto. Hay momentos en los que sientes que las piezas musicales entran forzadas en el esquema de la historia, pero sobre todo la mayor crítica a la cinta la hago desde la imagen que proyecta el personaje principal femenino. En su papel se proyectan todos los males de una mujer poco virtuosa , es decir, impulsiva, caprichosa, interesada, capaz de vender su alma por una “buena vida” y estas son solo algunas de las impresiones que provoca la protagonista.

Divertida a ratos e insufrible en otros.


Anvil: The Story of Anvil / 2007 / Sacha Gervasi / USA

Anvil: The Story of Anvil / 2007
Sacha Gervasi / USA

La de ANVIL es una de las mas Bellas historias jamás contadas en el rock. Anvil, o mas bien sus dos músicos fundadores hace más de 35 años Steave “Lips” Kudlow y su partner Robb Reiner, llevan a cabo una historia tan normal como épica ya que tras sus sencillas vestimentas y corrientes trabajos y familias se esconde una leyenda gloriosa de rock que no llego a un buen término. 

ANVIL pudo ser un monstruo del rock tras haber sido influencia para agrupaciones como Metallica, Motorhead, Guns and Roses y Twister Sister entre otras agrupaciones importantes de los 80 y habiendo sido pioneros del Speed Metal antes que incluso lo hiciera Metallica, sin embargo y tras pisar escenarios de renombre los Canadienses Yunques (traducción de Anvil) vieron su carrera disminuir mientras sus deudores musicales crecían como la espuma.

Anvil se nos presenta en el año 2007, pero ahora sus músicos fundadores trabajan en lo que pueden, aunque sin olvidar el sueño que se prometieron cumplir desde los 14 años cuando se conocieron, el de ser estrellas del rock and roll. Para ello harán todo lo posible incluso exponerse al ridículo como asistir a una “Gira Europea” que los lleva por tugurios licenciosos donde les pagaran con un plato de Gulash en vez de con dinero o asistir como cabezas de cartel al gran festival de rock “MONSTER OF TRANSILVANIA”.

Tras todo esto podrías creer que “Anvil: The story of Anvil “ es una comedia, pero no, es un documental inspirador realizado por el fan y ex roady de la banda Sacha Gervasi, quien documenta el camino al cumplimiento del éxito de los entrañables héroes de la cinta.
Si gustas del Cine relacionado con el Rock sentirás muchas conexiones (a veces naturales, a veces provocadas, creo) con el clásico del genero “This is Spinal Tap”.

Si aun tienes sueños en tu corazón capitalista no puedes perderte esta cinta ganadora del decenas de premios, ente ellos el del 2008 en Sundance.
 
 

The End of St. Petersburg / 1927 / Vsevolod Pudovkin / URRS

The End of St. Petersburg / 1927
Vsevolod Pudovkin / URSS
Sin duda la visión capitalista de los gringos siempre ha sido un obstáculo para que ellos reconozcan el arte cinematográfico proveniente de lugares distintos a su propia industria, pero mucho mas cuando se trata del cine proveniente de sus enemigos mas intimos. Estoy profundamente sorprendido por la ausencia de comentarios y valorizaciones en sitios especializados de cine, para una película importantísima, pero poco conocida. Estoy hablando de “El fin de San Petersburgo”, una cinta del realizador Ruso Vsevolod Pudovkin, un contemporáneo a Sergei Einsenstein y que al igual que el recién mencionado, marcó su trabajo con el montante de escenas contrapuestas, el grandilocuismo y la propaganda para el régimen revolucionario de la URSS.
Esta película fue rodada en 1927 para conmemorar los 10 años de la revolución Bolchevique que puso fin tanto al gobierno del Zar Nicolás II como también del continuismo disfrazado de revolución de Kerensky.

La película comienza tres años antes de la revolución del 17, con la llegada a la ciudad y capital de invierno rusa, San Petersburgo, de un joven campesino que buscaba mejor fortuna en la ciudad.
El claro proselitismo de la cinta pone a los pobres como verdaderos mendigos, incapaces de generar recursos para vivir, a penas logran dormir en conventillos y de generar dinero para comer papas cocidas.

La película nos muestra a los capitalistas como seres sin alma ni conciencia, ahí se puede ver a los dirigentes de la fabrica (en este caso fabrica de municiones) y a los corredores de Bolsa, interesados solo en el dinero dejando de lado la muerte de sus hermanos rusos en el frente de batalla de la primera guerra mundial, po lo mismo, la cinta  es un gran documento para entender la participación Rusa en la Gran Guerra y claramente también lo es para ver los primeros pasos del la URSS.

Difícil de encontrar pero totalmente recomendable.
 

Neal and Jack and Me: Live 1982-1984 / King Crimson / 1982-1984 / Japón

Neal and Jack and Me: Live 1982-1984
King Crimson
Con Grabaciones para un Show de 27 de Febrero de 1982 en Frejus, Francia. una presentacion en una gira donde King Crimson realiza la apertura para Roxy Music. La segunda una presentacion integra en Japón en 1984 con una formación de excelencia incluyendo a Adrian Belew en voz y guitarra y Tony Levin en Bajo y Styx, acompañado de los clasicos Bill Bruford en Bateria y percusiones ademas de el pacifico Robert Fripp en Guitarra.


Operacion Luna / 2002 / William Karel / Francia - Canada

Operación Luna / 2002
William Karel / Francia-Canadá

William Karel es un destacado documentalista interesado en los temas políticos y de intriga y cuando pensamos en intriga uno de los más polémicos y controversiales contenidos tienen relación con la llegada del hombre a la luna.

Operación Luna o “The Dark Side of the Moon” es un documental del 2002 en el que se cuestiona que el Apolo XI alguna vez halla logro alunizar. La Tesis del documento plantea que la carrera por la luna fue una mas de las aristas de la guerra fría en donde Estados Unidos había puesto todas sus energías tanto para derrotar moralmente a la URSS como instalar las bases de un escudo antimisiles.

Sin embargo el trabajo también plantea que la misión a la luna fue un proyecto jamás concretado en el que se termina por mentir al mundo con una filmación cinematográfica dirigida nada mas y nada menos que por Stanley Kubrick quien llegaría a contactarse con la NASA debido un préstamo de un lente de cámara que solo ellos poseían y que el necesitaba para filmar Barry Lyndon. Tras este primer encuentro y la concreción de la falsa película sobre la falsa luna se comienza a desatar una serie de crímenes y silenciamientos que bañan de sangre el falaz proyecto.

El Documental cuenta con la participación en descolocadoras entrevistas de la mismísima esposa de Kubrick, el asistente de Nixon Donald Rumsfeld, el director de la época de la CIA y hasta Henry Kissinger lo que le otorga un grado de credibilidad importantísimo a este trabajo.

Exponte a ver hasta donde puedes ser engañado.
 
 

Shadow Man / 2006 / Michael Keusch / EEUU - Holanda - Rumania

Shadow Man / 2006
Michael Keusch / EEUU -Holanda - Rumania

Siguiendo con nuestro especial “Steven Seagal obra y vida”, nos adentramos en otro gran bodrio de su carrera que paso directamente al vapuleado mercado del “Directo al DVD”. Se trata de la película “Shadow Man”. En esta a Seagal le corresponde ser un ex oficial de la CIA que ahora esta dedicado a los negocios (como imaginaran ahora es supermillonario) y que ha quedado viudo hace cinco años debiendo cuidar a la pequeña hija que quedo del amor con su difunta esposa.

Como siempre cada una de las películas de Seagal nos hacen ingresar en una intriga que afecta al mundo entero o a gran parte de el. Aquí es utilizado como correo de una peligrosa arma biológica, sin que el lo sepa, lo que lo llevara hasta Rumania donde su pequeña hija es raptada debiendo recurrir a sus selectas técnicas de luchar por recuperarla.

Una de esas películas con malos de mala monta y que como cada película de Steaven Seagal le ofrecerán una batalla épica sin lograr ni siquiera despeinar al héroe de acción.

La película es MALISIMA, por eso la recomiendo para un día de ocio vespertino.


martes, 17 de mayo de 2011

Three Bad Men / 1926 / John Ford / EEUU

Three Bad Men / 1926
John Ford / EEUU

Cuando la gente piensa en cine silente suele tener la idea de que es aburrido, lento y sin una trama interesante, pero al correr de estos posteos creo que queda claro que un porcentaje importante de obras maestras del cine se hicieron bajo el formato de ausencia de sonido. En este caso el análisis se hace mas interesante aun porque revisaremos una película muda de uno de las mas importantes directores de cine, un hombre que se vincula con el western como el mas grande de los realizadores, hablamos de John Ford y su mega producción de 1926 “Three Bad Men”, o Tres Hombres Malos.

Tras la realización de “El Caballo de Hierro”, otra de sus grandes cintas, Ford se dispone a desarrollar una película al estilo de sus mas grandes creaciones, para ello nos encontramos con un gran contexto geográfico que como casi siempre será el Oste Estadounidense (En este caso Dakota), por otro lado un contexto histórico que aquí será el poblamiento de las tierras nuevas (mas bien robadas a los aborígenes), la cacería por el oro y en este caso en particular de las “Lands Run”, o carreras por la tierra, en las que los colonos acudían a una galopada en la que los ganadores se harían poseedores del territorio para instalarse ahí y usufructuar de todas sus riquezas. Si bien es cierto la pelicula habla mucho sobre la fiebre del oro tiene un par de escenas que nos muestran que la tesis del director esta en que el gran tesoro de Estados Unidos no es el metal precioso sino la riqueza de su tierra.

En este contexto Tres Hombres Malos es una historia cotidiana sobre la redención y la capacidad que tiene la bondad de apoderarse de los espíritus malvados con el poder del amor (en este caso fraternal). Los tres hombres malos, unos forajidos cazadores de diligencias, que en un principio se ven motivados a continuar con su labor delictual, terminan conmovidos por una joven y bella muchacha que pierde a su padre en un tiroteo en medio de un intento de robo, así los tres bandidos se ocupan de ser los Ángeles guardianes de la chica a tal punto que deciden entregar sus vidas por ella y su nuevo amor y por otro lado como quienes se suponen sean los buenos son en realidad los verdaderos antagonistas del film.

Es una de las películas mas bellas que he visto, la que es embetunada por la tradicional acción arriesgada de Ford que le inserta escenas de alta calidad y complejidad con carreras de caballos y carretas que le aportan humor y adrenalina.

No contaré mas sobre la trama porque creo que es una película que deben ver.

La escena en que los chicos malos ban por un novio para la muchachita es una secuencia cómica digna de ver en donde los dos borrachines (parte de los tres malos y personajes clásicos en la filmografía de Ford) intentan buscarle un novio a la Bellísima Joven que protegen con el afán de resguardarle el futuro. Nótese la interesante técnica de la cámara que nos hace adentrarnos en la escena de una forma notable.


The Lady From Shangai / 1948 / Orson Welles / EEUU

The Lady From Shangai / 1948
Orson Welles / EEUU

La Dama de Shangai es la ultima película de Welles en Holywood antes de su ostracismo europeo al que fue condenado por la industria cinematográfica norteamericana.
Una cinta de Film Noir, en la que el blanco y negro le entrega ese claro/oscuros a la cinta que realza la confusión que se vive en la trama.

Welles a demás de ser el director es el protagonista de la historia en la que encarna a un marinero Irlandés llamado Michael O'Hara quien había peleado por el frente popular en la guerra civil española y que luego de estar preso por asesinato logra conseguir su liberación tomando tras eso nuevos caminos mas tranquilos.

La primera escena nos sitúa a un Welles victorioso y conquistador que logra liberar a una hermosisima mujer (una de mis top 5 del cine,Rita Hayworth, que además era la esposa del momento de Welles) de un asalto mientras ella pasea por un parque en un carruaje. Sin embargo lo que O'Hara no sabe es que sera él quien quedara apresado en una historia maldita.

Tras la situación la Dama (Ilse) intentara convencer a O'Hara de que aborde como tripulación un crucero de placer junto a ella y su esposo, el mas importante abogado del momento.
La Cinta nos muestra como Welles se comienza a adentrar en una historia de romance, traición, venganzas y muerte de la que no puede salir, sino que mas bien se adentra sabiendo del peligro. 

La Historia se desarrolla en bellos paisajes como Acapulco y San Francisco además de mar abierto donde se realizan bellisimas tomas en el yate. Como anécdota se cuenta que la embarcación pertenecía al mismísimo Errol Flynn, quien acompaña al equipo de filmación en el viaje haciendo mas interesante la anécdota.

El toque de locura en la cinta lo proporciona Glenn Anders quien hace el papel de un abogado enfermo que explota con teatralidad su psicosis, este ser es socio del esposo de Hayworth quien buscara que Welles le asesine de manera ficticia para cobrar un suculento seguro.

Tras la intrincada historia Welles cae como víctima de toda una confabulación, la que lo llevara por un paso por tribunales que demostrara el asqueamiento que a Orson Welles le proboca la autoridad. En cada escena de la secuencia en el juicio hay burlas y risotadas. Tras una Épica huida de triunales por parte de O'Hara llegará el final de la película en la que toda la verdad saldrá a la luz, no sin antes entregarnos una de las secuencias mas famosas del cine, aquella en que Welles ingresa al mundo onírico y pesadillesco (y que refleja la pesadilla sin salida que vivia O'Hara en ese momento) con la secuencia en un parque de atracciones abandonado en el que caerá por rampas y cruzará extrañas puertas que hacen el deleite de aquellos que aman la cinematografía de Welles, terminando con una simbólica escena en la casa de los espejos en donde las verdades se revelaran tras un electrico tiroteo.

Un Obra maestra de Welles, difícil de contar pero recomendable para ver.


The Third Man / 1949 / Carol Reed / Inglaterra - Austria

The Third Man /1949
Carol Reed / Inglaterra-Austria
 
Esta debe ser una de las mejores películas de la historia de la cinematografía mundial y en ella no podía faltar Orson Welles. El Tercer Hombre es una historia sobre la post guerra en un país perdedor de la IIWW. Primero se intento grabar la cinta en Berlín, pero la complejidad que suponía rodar en un lugar totalmente destruido termino llevando (para bien de la película) la filmación hasta Viena, la también destruida capital de Austria. Bajo este prisma, la cinta se convierte en si misma en una pieza histórica, pues no solamente logra captar una ciudad de las grandes de Europa derruida por los bombardeos, sino que también nos permite poner el telón de fondo de una realidad política excepcional, en la que las cuatro potencias vencedoras, vale decir, Inglaterra, Francia, URRS y EEUU se dividían la ciudad para generar una caótica organización administrativa y policiaca, llena de cinismos y subterraneidades que serán el germen de la guerra fría.
Sobre la historia contada en la película, Harry Lime (Orson Welles), es el personaje que transversaliza la historia y aunque el no aparece hasta la mitad del film, es una presencia constante en todo lo que sucede. 

El tercer hombre es la consolidación de Welles como un actor de categoría y su intervención en la dirección (verdaderamente comandada por Carol Reed) es evidente al conocer algo de la filmografía del gordo director, pues sus tomas son de una factura solo atribuibles al genio Norteamericano.

El tercer Hombre es considerada como la mejor película de la historia del cine Ingles, la inquietante aparición de Welles es conocida como la mas interesante aparición en una película de un personaje secundario y su impresionante carisma nos hace llegar a sentir afecto por un hombre sin escrúpulos que encuentra a su muerte en una histórica persecución por las cloacas de Viena en una de las mas claustrofóbicas secuencias del cine.

Mención aparte merece la música de Anton Karas, que con su citara nos entrega una gran banda sonora, digna de una película ambientada en Europa del este y que tras esta influencia a artistas de todo el mundo (el caso de chile a los Hermanos Roberto y Lalo Parra) y se convierte en una estrella a nivel mundial.

En fin, todas las estrellas para El Tercer Hombre


Miracle on 34th Street / 1994 / Les Mayfield / EEUU

Miracle on 34th Street / 1994
Les Mayfield / EEUU

Milagro en la calle 34 es una de las películas más clásicas de época navideña, y esta de 1994 es la tercera versión y la mas contemporánea de este clásico cuento de Navidad.
La película trata básicamente sobre el creer, es la historia sobre ser niño mas allá de la edad y de permitirle creer a todos quienes quieran tener un poco de fe.

La cinta nos cuenta como un hombre de características similares a la imagen publicitaria de el “Viejo Pascuero” realmente se siente, actúa y vive como si fuera el personaje de fantasía. De ahí la trama de la película nos lleva a su encuentro con una familia de personas sin fe en la navidad (Como verán una película cuasi infantil). Sin embargo hay una parte que le da valor a la cinta y es el Juicio a Santa Claus en un tribunal norteamericano, en el cual se deben poner argumentos por parte de los abogados para demostrar que Papa Noel existe.

Es la versión mas baja de las tres (no he visto ninguna de las anteriores), siendo la primera de 1947 la de mejor trato por la critica alcanzando máximas puntuaciones.


Frankenstein / James Wahle / 1931 / EEUU


Frankenstein /1931
James Whale / EEUU


Obra maestra del Cine, una película que con sus imágenes generó un Universo de códigos utilizados a posteriori por el cine para hacernos entender qué es el terror. Sin embargo Frankenstein no es solamente una cinta de miedo, es mas bien una historia sobre el hombre de su época, es decir un creador y desmitificador permanente que busca ser dios o acabar con Él (personificado en el Dr. Frankenstein). Es también la historia del abandono de la creatura por el creador, del desapego, del ser un extraño en un mundo que no entiende y que lejos de ser comprendido es discriminado (escena de la tortura del jorobado al monstruo) y de la incapacidad de entregar afectos porque no se sabe como darlo (escena de la niña en el lago, que fue censurada por décadas).

James Whale es el encargado de esta cinta (en segunda instancia porque el film ya había comenzado a trabajarse con otro director) y Boris Karloff el hombre tras el disfraz de monstruo (en segunda instancia también porque primero fue elegido Bela Lugosi), en una película con pocas palabras pero llena de imágenes icónicas de enorme belleza y gran economía. Como siempre Jack Pierce, el maquillador de la época de oro de la Universal, entrega una caracterización histórica (también lo había hecho con “La Momia”).

Vale la pena verla, aunque ya no causa miedo es en si misma una cinta histórica.


Stamping Ground - A Show with the mayor names of Rock / Varios Artistas / 1970 / Holanda

Stamping Ground - A Show with the mayor names of rock / 1970
Varios artistas / Holanda

Stamping Ground fue una más de las respuestas que se dieron en todo el mundo a la generación Woodstock, en la que la música, la búsqueda de la libertad política y sexual y un planeta regido bajo los ideales del amor y la paz eran propugnados por las juventudes idealistas. Este festival se desarrollo en Holanda a mediados de 1970 teniendo como invitados musicales a gran parte de la generación de músicos “ácidos” de San Francisco, tales son los casos de los exitosos Jefferson Airplane, T Rex, Al Steward, The Byrds, Santana, Country Joe y los excelentes Canned Heat acompañados de los para mi menos conocidos pero sorprendentes Family, Its a Beautiful Day, Dr. Johns and Night Tripper y cerrando con broche de oro con la intervención de los Psicodélicos Pink Floyd (ya sin Syd Barret).

La composición de la película esta estructurada de una manera un tanto similar a la clásica “Woodstock”, es decir, contiene escenas de desnudos, baños masivos, esta vez no en barro sino que en la alberca ubicada cerca del escenario y por supuesto mucha musica. Aparecen también instantes de psicodélica con algunos vuelos en avión donde la cámara da vueltas en formas irregulares y por supuesto una larga secuencia donde el consumo de sustancias hace el deleite de sus interesados.

Hay una secuencia bastante bella en la cual, al igual que en la película de Woodstock la lluvia arrecia el concierto, en ella se logra una excelente sincronización entre imagen y sonidos que son dignas de recordar.

Stamping Ground es un concierto que reunió a mas de 350.000 mil personas al ritmo de la música y de los ideales y si bien la calidad del DVD no es la mejor vale la pena verla como un documento musical e histórico.


The King of Comedy / 1983 / Martin Scorsese / EEUU

The King Of Comedy / 1983
Martin Scorsese / EEUU

La obsesión por la fama, el éxito y el reconocimiento puede provocar profundos estragos en una persona. En esta película Rumpert Pumpkin personificado por un brillantísimo Robert De Niro es un hombre deslumbrado por los sets de televisión y más específicamente por el plató de Jerry Langford (una suerte de Johnny Carlson), representado por el gran comediante Jerry Lewis. 

Pumpkin buscará llegar al espectáculo de cualquier manera, pues esta convencido de que es el próximo Rey de la comedia. Para lograrlo intentará entrar en la limusina de Jerry, se inmiscuirá en su oficina y hasta llegara de improviso a su casa de campo. Pero la mas extrema de sus intentonas será el secuestro, para esto necesitara la ayuda de Masha (Sandra Bernhard), una groupies con desordenes mentales que intentará tener un romance con Langford.

La película aborda dos áreas de desarrollo, una es la realidad y la otra la fantasía permanente de De Niro, quien tiene en su sótano cartones de tamaño natural de sus mas grandes ídolos ( Jerry Lewis y Lisa Minelli) con quienes juega una fantasía un tanto desquiciada. De Niro o Pumpkin vive en su mundo fantasioso pero su perseverancia le traerá buenos resultados.

Sobre las actuaciones De Niro y Bernhard, ellos se desenvuelven soberbiamente. Ambos provocan a su audiencia, haciéndonos sentir incómodos de veras o convenciéndonos de las complicaciones mentales de sus personajes.

Una de las películas más desconocidas de Martín Scorsese y poco valoradas en su tiempo sin embargo ha ganado admiradores con el paso de los años.


Hard to Kill / 1990 / Bruce Malmuth / EEUU

Hard to Kill / 1990
Bruce Malmuth / EEUU

No hay como un gran héroe de Acción para tener una gran tarde de cine y Steven Seagal jamás nos falla con sus películas gueeenas.
Esta es una cinta del año 1990 en la que Seagal personifica a un tipo de un nombre inusual “Mason Storm”, quien resulta ser una verdadera tormenta de escenas sin lógica temporal y experto en dar muchos golpes.

La película nos cuenta la historia de un policía incorruptible, amante de su trabajo de su familia y su hermosa esposa, sin embargo su rectitud y destreza le llevan a perder a su familia en una venganza por investigar a un corrupto diputado. Tras una escena de sexo y balas, Storm resulta muerto, pero eso solo para los malos pues logra sobrevivir pero quedando durante 9 años en estado de coma.. Tras los intensivos cuidado de una bella enfermera (Kelly Lebrook, la misma de la chica de rojo) que se enamora del comatoso héroe, Mason Storm se recupera de manera milagrosa, logrando vengar las muertes de sus seres amados salvando su cuello y el de su nueva conquista.

Dirigida por Bruce Malmuth, el mismo director de Karate Kid 1 y 2 y con escenas de divertida violencia como un asesinato con tacos de billar y la puesta en evidencia del corrupto legislador.

“Difícil de Matar” es una película mala pero Gueena.

Pd: Como veran en el Trailer Seagal encuentra que hacer cuando no se encuentra el portainciensos.


The Grey Zone / 2001 / Tim Blake / EEUU -Hungria

The Grey Zone / 2001
Tim Blake / EEUU - Hungria

La Zona Gris, muy mal traducida al español como “Un Día Más”, es una historia desgarradora, pero sin sentimentalismos de la realidad de Auschwitz.
Pero The Grey Zone no es la clásica película sobre los campos de concentración en las que los alemanes son los malos y los judíos los buenos, sino que esta película nos lleva durante todo su metraje al conflicto moral de las victimas frente a las situaciones que les toca vivir y en las que dejan directamente de ser victimas para ser victimizadores de su propia gente, todo por el miedo o por el afán de sobrevivir o salvar a alguien.

Durante el transcurso de la película son varias las historias que nos llevan a ese conflicto, por un lado la del “Sonderkommando”, un grupo de judíos que debían apoyar el trabajo de los nazis, tanto en la cámara de gases como en los hornos crematorios. Por otro lado la visión del doctor Miklos Nyiszlis, un medico Judío que fue obligado a ser el asistente del Dr. Mengele, para hacer estudios con los cadáveres de los asesinados y que es el autor del libro en el que se basa el guión de la cinta.

En todas las historias que se entrelazan tras este problema, surgen los dolores internos por la traición, el afán de libertad y la culpabilidad que los lleva a intentar un escape masivo que será puesto en jaque tras los intentos de salvar a una chica de 15 años que sobrevivió a la cámara de gases y que es descubierta por integrantes del SonderKommando. En la pequeña niña radicaran los intentos de redención y la búsqueda de la salvación de los prisioneros judíos, personificando en ella la liberación espiritual más que la física.

Sobre el Director, Tim Blake ha sido actor de numerosos films como Taxi Driver y en este caso actua y dirige.

Dentro de sus logros esta haber sido exhibida en el Festival de Toronto, y ganado el premio Freedom of Expression Award del National Board of Review en el año 2002.


Abismos de Pasión / 1954 / Luis Buñuel / Mexico

Abismos de Pasión /1954
Luis Buñuel / Mexico

En una adaptación para el clásico del Surrealismo literario “Cumbres Borrascosas” de la inglesa Emily Bront, el gran director Luis Buñuel en su estadía en México desarrolla una versión para la clásica novela, considerada por los críticos como una de las mejores en la gran cantidad existentes en celuloide.

En la Cinta Luis Buñuel, como suele pasar en la filmografía del Español, se fija en aquellos valores mas terribles del ser humano, en este caso la exaltación máxima del “Amour Fou”, es decir el tipo de amor fatal en que dos personas se aman de manera suicida, es decir que siente tanto amor como odio el uno por el otro, llevándolo generalmente a consecuencias dramáticas. Este tipo de amor era el favorito de expresar por los surrealistas.

La perspectiva surrealista esta presente también en la estética, que debe ser modificada para llevarse al México de finales del XIX en el que los árboles deshojados y las raíces de los mismos que estan enredadas en el suelo nos recuerdan las imágenes de los cuadros de Dalí.

Realizado en México, uno de los problemas de la cinta es la elección del casting, ellos estaban para actuar en una comedia romántica, sin embargo Buñuel decidió utilizarlo en este dramático rodaje, El mayor problema consiste en que en la novela los protagonistas se conocen de pequeños, sin embargo la actriz es polaca y el actor es Español, lo que le entrega cierto descrédito a la obra.

Sobre los personajes, sino conocemos la novela sentiremos que la maldad de Alejandro, el protagonista, es un tanto injustificada, es decir, uno sabe que el hombre sufrió, pero no entiende porque su perversión llega a los niveles que vive en la cinta. Al saber los primeros capítulos de la novela podremos entender la sensación de frustración abandono y desamor que sintió Alejandro y por que tiene una sed de venganza tal, la que está básicamente referida al desprecio que sintió de todo el mundo por ser un niño recogido de la calle que fue mirado en menos por todos, incluso por Catalina, la protagonista de la obra, que si bien lo amaba, lo aborrecía por su condición. Esto motivó a Alejandro a obtener una enorme fortuna (al parecer de mala manera), con la que buscara quedarse con la propiedad y destruir el corazón de Cathy

Como siempre Buñuel aporta su mirada sádica utilizando animales muertos o asesinados en escena, pero la película es un gran melodrama al que el español le da mas realce aun a la clásica obra literaria.


Videodrome / 1983 / David Cronenberg / Canada

Videodrome / 1983
David Cronenberg / Canada

Videodrome es una película de culto, una obsesión por el porno, la violencia, el mercado televisivo y una pesadilla a la David Lynch.

Con la presencia de James Wood y la Cantante de Blondie Deborah Harris en los papeles centrales, la historia cuenta la vida de un dueño de una señal de cable que esta obsesionado por tener programas de porno cada vez mas extremos, es así como por casualidad se encuentra viendo “Videodrome”, un programa que se basa solo en emisión de torturas, asesinatos y violaciones. Videodromo se convierte en una obstinación permanente, sin saber que esto, está a punto de ingresarlo en un mundo del cual el no podrá salir jamás.

Todas las películas son hijas de su tiempo y Videodromo es una lectura sobre la televisión como factor de manipulación mental de parte de los poderosos sobre una gran masa de personas. Sin duda la cinta, bañada con importantes escenas de Gore tales como un estomago/vagina que traga videocasetes o un arma adosada al cuerpo del criminal entre otras imágenes son fuertes para su época, pero la cinta tiene el merito de hacer de esta la primera película que rompa los limites entre Films de terror, suspenso y tecnología.

Tras esta apocalíptica visión sobre la televisión durante los años 80s, la Internet de hoy es el Videodrome. Nuestro propio Videodromo es una realidad tan cotidiana que no logra asustarnos, pero quien sabe, quizás tras los sitios de Internet hay un plan por dominar las mentes de todos.


sábado, 7 de mayo de 2011

La Pasión de Juana de Arco / Carl Theodor Dreyer / 1928 / Francia

La Pasion de Juana de Arco / 1928
Carl Theodor Dreyer / Francia

La Pasión de Juana de Arco es una de las mejores películas jamás filmadas. Dirigida por el realizador Danés Carl Dreyer por encargo de la Cinemateca de Francia. La cinta cuenta las últimas horas de vida de la Santa y Heroína francesa Juana de Arco. El director, discípulo del trabajo de David Griffith, fue contactado para grabar una película sobre una mujer destacada, el propuso a tres personajes: Catalina de Medicis, María Antonieta o Juana de Arco. Finalmente decidió utilizar la historia del martirio y pasión de una santa en una técnica realmente novedosa para el cine.

La cinta esta realizado en un porcentaje altísimo con primerísimos primeros planos. En ellos se busca encontrar los más profundos sentimientos humanos tales como la sensación de injusticia, desesperación, lujuria, dolor, y todas aquellas escenas que desnudan completamente la humanidad de los personajes.
La Pasión de Juana de Arcos es una historia de amor por la verdad y de la clásica lucha entre el bien y el mal. Con una actuación soberbia, esta es la única aparición en pantalla de la actriz Renee María Falconetti, quien es capaz con su rostro sin maquillaje de expresar sensaciones indecibles con palabras.
El guión de la película esta basado en los registros originales del juicio seguido por la inquisición, con una exactitud abismante, los archivos guardan las preguntas hechas por los corruptos sacerdotes y las escuetas pero inteligentísimas respuestas de la Heroína.

El final de la película guarda una gran belleza tanto en el tratamiento de las imágenes como en el desenlace final.


Sin duda incluida en mi TOP 5 de mejores películas


domingo, 1 de mayo de 2011

The Mummy / 1932 / Karl Freund / EEUU

The Mummy / 1932
Karl Freund / EEUU

Los Estudios Universal se caracterizaron durante los años 30 en crear películas de terror y suspenso que se convirtieron en clásicos para la posteridad. Tales son los casos de “El Hombre Invisible”, “Frankestein”, “Drácula” y la que comentamos en esta ocasión: “La Momia”.

En “La Momia” no solo nos encontramos con un clásico del cine de miedo, sino que también con un actor simbólico del terror, el ingles Boris Karloff, quien en su interpretación de Imhotep, un sacerdote egipcio que fue condenado a morir por cometer actos de sacrilegio para salvar de la muerte a su amada princesa, vuelve a la vida tras la remoción de su tumba por parte de arqueólogos ingleses el año 1921.

La película se contextualiza en un tiempo en el que había un gran interés por la cultura egipcia, sobre todo por la aparición de los restos de la tumba y el sarcófago de Tutankamon y el mito de su maldición, lo que llamo poderosamente la atención de occidente abriendo una gran cantidad de corrientes de estudio para estas temáticas y la ciencia ficción y el cine no podían quedar ausentes.

La Momia de 1932 es, según los críticos, la mejor versión hecha sobre el personaje en todas sus apariciones en el cine y su catalogo de artistas es de lujo. Como director aparece el director de fotografía alemán, el impresionista Karl Freund, quien había trabajado ni mas ni menos que con Fritz Lang en el clásico “Metrópolis”, la protagonista es la bella Zita Johann, una destacada actriz de Broadway. En el ámbito técnico es reconocida la colaboración de Jack Pierce como maquillador

Famosa son las secuencias en que La Momia hipnotiza a la protagonista llevándola a un sueño etéreo en una suerte de pozo donde ambos reviven sus vidas pasadas en el antiguo Egipto (escena que esta cortada por la censura de la época), la aparición de la momia con su complejo maquillaje al principio de la película, el repetitivo primer plano al rostro de Karloff como intentando hacer caer en hipnosis a los que vemos la cinta son también momentos destacados y recordables de este trabajo cinematografico.


Tom Jones / Live at Cardiff Castle / 2002/ Gales


Tom Jones /2002 
Live at Cardiff Castle / Gales
 
Tom Jones un Viejo ondero, quien no quisiera tener como tío al León de Gales.
En este Show del año 2002 en su tierra natal nos muestra toda la fuerza interpretativa y por supuesto su excelente banda de apoyo. Con la inclusión de sus grandes éxitos y versiones para clásicos como “Are you gonna go my Way” o Venus de Shoking Blue, el DVD incluye un extenso Set de temas compilados de 3 noches repletas de público. Imperdibles algunas versiones a canciones de blues/gospel como “Sometimes we Cry” que logran un nivel importante de emotividad
 
 

Cameroon Connection / 1984 / Alphonse Beni / Camerun-Francia

Cameroon Connection / 1984
Alphonse Beni / Camerun-Francia

Tras el Nombre Cameroon Connection me aproximo por primera vez al cine Camerunés. La muestra es bien poco alentadora, pues tras un vistazo a 5 de las 7 partes encontradas en Internet para esta cinta ochentena, mi cuerpo no pudo resistir las restantes porciones de la película.
La cinta cuenta con varios atractivos que nos hacen pensar que estamos antes un nuevo clásico. Primero que todo se hace una referencia con el titulo a una cinta del legendario Bruce Lee, la clásica “Chinese Connection”, y además posee la actuación de el tremendo sucedáneo de Lee , el increíble BRUCE LE. Hasta aquí la película cuenta con todo lo que uno podría esperar de esas películas que de malas son buenísimas, las peleas son también un factor interesante, ver a Camerunenses peleando Kung Fu también es tremendamente atractivo, sin embargo la película es lentísima, con un pésimo guion que se pierde en la medida se avanza en la cinta y no terminas de entender si es una pelicula de drogas, de mafia, de prostitutas de curanderos o de artes marciales.

No pude terminarla. Eso es todo.

Mosaic / 1965 / Norman McLaren / Canada

Mosaic /1965
Norman McLaren /Canada

Otra muestra de animacion de Norman Mclaren trabajando en Canada. Esta obra esta en la linea de Dots de1940, (que colgue mas abajo). En este caso mezcla una presencia de un humano real con las animaciones que comenzaran a volverse cada vez mas complejas hasta al final volver a la simplicidad.
Esta es una version corta porque el orignal dura algo mas de 5 minutos.


Hana-Bi / Takeshi Kitano / 1997 / Japón

Hana-Bi / 1997
Takeshi Kitano / Japon

En Japon Takeshi Kitano es una marca de calidad. Partió su carrera como acto de comedia y luego derivo a la dirección en donde posee una importante cantidad de éxitos de taquilla. Pero es con Hana Bi o “Flores de Fuego” donde salta a la fama internacional tras ganar el León de Oro de Venecia como mejor película extranjera el año 1997.
Flores de Fuego es una película sobre el abandono, la perdida y lo que sucede tras ella. En un ambiente de melancolía permanente, solo interrumpida por escenas de violencia otorgada por la mafia japonesa mas conocida como “Yakuza” quienes son totalmente doblegados por Takeshi.
La historia trata de un policía (Beat Takeshi), que ha perdido a su pequeña hija y que aguarda la muerte de su esposa que tiene una leucemia mortal. Su vida esta cargada de violencia y frustración pues ve como los Yakuza matan a sus amigos y a uno de ellos lo dejan paralítico de por vida. Tras asesinar en venganza a uno de los mafiosos que malogra a su amigo decide retirarse de la fuerza policial. 
 En e trascurrir del film podemos ver a Takeshi como deudor de los mafiosos japoneses y para librarse de ellos asalta un banco disfrazado de policía, todo con la finalidad de pagar la deuda con la mafia, comprarle algunos materiales de pintura a su amigo que ha dedicado su tiempo de ocio (es decir todo el tiempo) a la pintura y entregarle a su esposa unas ultimas felices vacaciones.
Matizada con la increíble música del compositor japonés Joe Hisaishi y las bellas pinturas del propio Kitano, Hana Bi nos sorprende con un final inesperado, Takeshi nos lleva por la melancolía de un amor que se extingue no por falta de sentimiento, sino porque el tiempo vital esta llegando a su fin.

Verdaderamente hermosa.
 
 

Vanishing Point / 1971 / Richard Sarafian / EEUU

Vanishing Point / 1971
Richard Sarafian / EEUU

En el genero de las Road Movies (Películas de autos, carreteras y persecuciones) Vanishing Point de 1971 es una de las mas importantes jamás hechas. "Punto de Fuga" nos cuenta la historia de Kowalsky un hombre que a primera vista corre un automóvil a gran velocidad eludiendo a policías solo por el hecho de ser rebelde, sin embargo el trasfondo moral del personaje se va conociendo en la medida que la cinta corre.

Kowalsky es un outsider, un hombre que combatió en Vietnam (tema recurrente en esa época), que fue policía y dado de baja por defender a una joven de una violación por parte de su superior y que fracaso como corredor de automóviles. Sin embargo aun le queda una lucha que dar, debe vencer a la autoridad.
En el recorrido nos encontramos con un personaje entrañable, el locutor negro y ciego de una radio del medio oeste quien se hace llamar“Super Soul” quien se convierte en el relator de la persecución interestatal. "Super Soul" le otorga a la inexplicable huida una épica llamándolo “El Ultimo Héroe Americano”. El locutor es finalmente la conciencia del prófugo.
Vanishing Point es también una crítica a la generación Woodstock (siendo la cinta un sucedáneo de “Easy Riders”). Es una lectura mesiánica a la salvación, el paso por el desierto, el huir de la serpiente y el ser capaz de tomar el destino asumido sin importar las consecuencias.
Una película de carreras con pocos diálogos pero con intensas conclusiones.
Este film fue acusado de homofóbico debido a una escena en la que una pareja gay lo toma por asalto en la ruta, sin embargo es profundamente antirracista.
Vanishing Point posee una de las mas alucinantes bandas de sonido incluyendo en escena a Delaney and Bonnie quienes actúan en una suerte de culto pseudocristiano en el desierto.

Esta cinta clásica fue la inspiración para Quentin Tarantino y su obra de mediados de los 2000 “Dead Proof” y es utilizada por el grupo de rock Audioslave en el video “Show me how you live” en la que se toman escenas de la película, reemplazando la imagen de Kowalsky conduciendo por las de Chris Cornell.

"Cuando subes al automóvil nunca mas vuelves a ser el mismo. Siempre se descubren nuevos caminos en la ruta aunque tengas que huir del sistema". Eso hace y piensa Kowalsky