domingo, 25 de diciembre de 2011

The Omega Man / 1971 / Boris Sagal / EEUU


The Omega Man / 1971
Boris Sagal / EEUU

Como ya lo hemos dicho anteriormente, las expresiones artísticas son hijas de su época, ellas solo pueden ser entendidas en un contexto histórico e ideológico determinado. Este es el caso de la película que comentaremos a continuación.

De 1971 y basada en una novela de ciencia ficción del autor Richard Matheson llamada “Soy Leyenda” el director de cine Boris Sagal desarrolla una obra futurista (un hecho ocurrido potencialmente en 1976) y sobre un hecho que fue la gran amenaza del mundo durante el proceso de la silenciosa “Guerra Fría”. La humanidad en este periodo siempre temió que el propio hombre pusiera fin a la vida en la tierra a través de un ataque nuclear o bacteriológico. En este caso no es EEUU quien provoca el fin de los tiempos, sino China y la URSS quienes desatan la tragedia escatologica. Una guerra biológica acaba con la vida tal como se conoce, las calles de Los Ángeles quedan completamente vacías y un escenario apocalíptico y desolado se nos presenta desde la primera escena (las escenas fueron grabadas los sábados en la tarde en el barrio comercial de la ciudad para proyectar la imagen de desolación).

Sin embargo el mundo aun cuenta con algunos especimenes humanos o humanoides que protagonizaran la cinta, uno de ellos es Neville (Charlton Heston) un científico militar que alcanzó a autoinyectarse una pócima que le permitió sobrevivir el holocausto y ser (a primera vista) el ultimo humano como tal sobre la faz del planeta. Pero además existe un grupo de personajes que lograron a través de mutaciones, superar la muerte, sin embargo ahora solo viven como zombies nocturnos y pálido-verdosos que han aprendido la lección sobre la tecnificación de la humanidad y han preferido vivir de noche y abandonar cualquier tipo de técnica moderna como la electricidad y los motores.

Neville, durante el día, vive del pillaje, saquea las tiendas vacías y viste a la moda ( o al menos a la ultima moda de la ultima colección que lograron hacer los diseñadores en 1971), maneja automóviles de lujo que recoge de las calles y vive en un departamento de lujo en la única casa con un sistema eléctrico mantenido con combustibles y que mantiene alejado a los mutantes de su hogar.

En la cinta veremos a los buenos y los malos en dos veredas muy opuestas, Heston dispara cada vez que siente un ruido extraño y sin mediar palabra lanza una ráfaga de metralla sin ninguna valoración por el resto de los sobrevivientes.

Quizás una de las escenas mas llamativas y recordadas en cuando el duro Heston ingresa a una sala de cine y exhibe la ultima película de moda que alcanzo a hacer la humanidad: “Woodstock”, repitiendo diálogos completos de la película lo que nos muestra que este era uno de sus pasatiempos favoritos.

En uno de sus paseos por la solitaria ciudad, Neville se encuentra con una esperanzadora realidad, hay mas sobrevivientes a la catástrofe, entre ellos una guapa mujer de color (Rosalind Cash) que se involucrará emocionalmente con el duro Neville.

En el desarrollo de la película lograremos poner en cuestionamiento las justificaciones para la violencia de Neville, la verdadera maldad de los supuestos malos, el compromiso con el amor y la humanidad (representada en la búsqueda de sanación del hermano de la mujer de color, que ha sido contagiado por los zombies) y finalmente el sacrificio por una humanidad nueva representada por el remanente de juventud descubierto.

Es necesario que los que justifican la violencia mueran, es necesario que los actos de redención sean sacrifícales, y que una nueva humanidad surja, es el discurso final de la cinta ( o al menos es mi humilde interpretación). Es finalmente la lucha de dos mundos casi como el moderno con el medieval, que se no se pueden poner de acuerdo en la convivencia sino que uno debe inexorablemente dar paso al otro.

Interesante película que hace pocos años fue re versionada con la actuación de Will Smith como Neville en la cinta “Soy Leyenda”.

Interesante de ver y para los fans de los zombies será un placerazo.

 

domingo, 4 de diciembre de 2011

Amen / 2001 / Costa-Gavras / Francia


Amen / 2001
Costa-Gavras / Francia

La conciencia es una temática poco utilizada en el cine mas contemporáneo, el tema del silencio, del callar, el omitir o del miedo entre otra sensaciones humanas son la temática central de esta cinta que nos trae de regreso al grande del cine político Constantin Costa-Gavras.

Amen es una película que se sitúa en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, específicamente en dos locaciones: la Alemania Nazi y el Vaticano. Allí conoceremos a un patriota, amante de su Alemania pero lleno de preceptos morales y religiosos, su nombre es Kurt Gertein, un soldado químico protestante que ha inventado un elemento que permite purificar las aguas en los campamentos de guerra y campos de concentración.

Gertein (Ulrich Tukur) es un hombre apegado a sus convicciones, incluso logra abogar con sus hermanos de fe para poner fin al exterminio de niños alemanes con déficit físicos y mentales y por su gran labor es llevado hasta lo mas alto: la “SS”.

Dentro de el selecto grupo armado Gerstein descubre una realidad impactante, su invento químico no es utilizado para limpiar aguas sino para matar a judíos en las cámaras de gases ubicados en los diversos campos de concentración y exterminio.

Se que hoy seria poco creíble que un soldado alemán no supiera sobre las atrocidades del gobierno de Hitler, pero la verdad es que gran parte de los alemanes de la época desconocían esta realidad pues se les inventaba que eran transportados a campos de trabajo para cosechar alimentos para las tropas alemanas.  

Cuando El Oficial logra encontrarse con esta realidad recurre inmediatamente a su estamento de fe, planteándoles a sus lideres religiosos (pastores) la realidad del genocidio que están enfrentando, sin embargo el mundo protestante decide callar, el miedo y el desden a los judíos es mas poderoso que la moral cristiana.  Gerstein esta atrapado, raptado en la conciencia y dividido por su amor a la patria y la ceguez de sus hermanos evangélicos. Debido a eso el SS buscará darle la información a la iglesia católica, para así poder obtener el apoyo del Papa ante la tragedia de la cual es testigo, sin embargo solo recibe menosprecio de los obispos de Berlin.  Pero hay una pequeña luz de esperanza en ese situación, el militar logra la escucha de un simple pero santo sacerdote (Mathieu Kassovitz) quien ayudara con sus influencias a acercar el mensaje al Pontífice.

La obra nos revela de aquí en adelante la mentira de un sistema religioso cooptado por la política, el poder y las riquezas. La iglesia católica y su vinculo con el Nazismo ha sido un tema recurrente y que en esta película es visto de manera tangencial porque lo realmente importante en el filme es la consecuencia con la que el Sacerdote católico y el Militar protestante pondrán sus vidas y Status en sacrificio por la lealtad a sus principios y como los mas importantes lideres éticos y políticos del planeta guardaban silencios cómplices.

El Oficial Nazi pagara con su vida su “traición a la patria” mientas que el Sacerdote  Católico protagonizara un duro final, entregándose a los nazis como un judío mas y padeciendo (casi en una figura de Cristo), los dolores de la humanidad en carne propia.

LA Figura de Pio XII es representa ese poder moral de la época de la indulgencias, en donde el ojo esta puesto solo en  beneficio que las acciones pueden traer, aunque Costa-Gavras es relativamente benévolo con el máximo pontífice pues lo hace aparecer poco y mas bien como un ser atado de manos ante la burocracia Vaticana.

La ultima parte de la cinta es realmente poderosa, en ella queda de manifiesto que  la Romanidad Católica no solo no ayudo en demasía a los judíos sino que también fue encubridor de militares judíos que se refugiaron en las faltas de los prelados para no ser alcanzados por la mano de la ley de Nuremberg y como incluso les apoyaron en su huida a Sudamérica.
Esta película está basada en hechos reales, el Oficial Gerstein realmente existió y los documentos que firmo antes de su suicidio fueron relevantes para los tribunales de la época y para armar el puzzle de esta historia.  


domingo, 27 de noviembre de 2011

Spaceballs / 1987 / Mel Brooks / EEUU


Spaceballs / 1987
Mel Brooks / EEUU

SpaceBalls es un gran chiste de comienzo a fin, una broma basada en las películas de Star Wars, Star Trek, El Planeta de los Simios y Alien entre otras mas.

Las letras comienzan a desplegarse al estilo de la guerra de las galaxias y ya sabes que todo será risas, a continuación una nave nodriza que dura varios minutos en su viaje por la pantalla, un chiste que al menos a mi me pareció simpático.

La historia trata sobre un planeta que será atacado para robar su oxigeno. Los asaltantes son “El Gran Casco Negro” (Richard Moranis) y el Presidente Skroob (Mel Brooks) quienes usaran toda su potencia interestelar para plagiar a la princesa del planeta, la bella Princesa Vespa ( Daphne Zuniga) quien huye de su propio matrimonio con un somnífero príncipe llamado Valium.

Los héroes de la cinta son 2 fugitivos y cazafortunas interestelares (como Hans Solo y Chubaka), en este caso seran Lone Star (Bill Pullman) y su inseparable amigo Vomito ( John Candy) que rescataran a la princesa por una recompensa cuantiosa, todo con el fin de escapar de las garras de su prestamista, el monstruoso “Pizza the  Hutt” (otro Chiste).

Para conseguir sus objetivos Hans, perdón, Lone Star, deberá aprender en un viaje por un desértico planeta, la utilización de “La Fuerza”. Ahí se encontrará con el maestro que le enseñará aquel necesario secreto. El anciano profesor se llama Yogurt (Mel Brooks) y será quien lleve a la victoria a los caballeros intergalácticos.

Mención a parte, para mi gusto, merece la actuación de Rick Moranis. Quien es una suerte de Payaso Alleniano (por su parecido físico con Woody Allen) quien hace un gran trabajo como el Dark Vader tras un casco negro mas grande de lo común.

Imposible no recordar tambien la presencia de el tipo de los ruidos extraños en "Locademia de Policias" y el chiste de la C3PO, ahora convertida en la chaperona de la princesa Vespa, bajo el nombre de Dom Matrix. 
 
Mención aparte merece la banda sonora, que está completamente influida por el Glam Rock de los 80s y que vale la pena escuchar con detención. Entre las bandas vinculadas están temas originales para la cinta de Bon Jovi, Berlin. The Pointer Sisters y Van Halen entre otros.

Una divertida comedia que recomiendo amablemente incluso mucho más allá de una cinta de Sábado por la tarde. 


sábado, 12 de noviembre de 2011

Cortos de Norman Mc Laren / 1940 - 1982 / Norman Mc Laren / Canada - Escocia


Cortos de Norman Mc Laren / 1940 - 1982
Norman Mc Laren / Canadá- Escocia

Norman Mclaren nació en Escocia en 1914 pero no fue sino en el nuevo mundo donde se convirtió en la figura de la animación que llego a ser. Tras haber trabajado detras una cámara de cine como documentalista durante el desarrollo de la Guerra Civil Española, el genio escoses termino traumado con la dolorosa realidad de la muerte en la guerra, por lo mismo y tras percibir los aires de batalla que se avecindaban trayendo la Segunda Guerra Mundial, decidió emprender viaje a Nueva York, ahí comenzó a trabajar en lo que pudo encontrar viviendo en precarias condiciones, hasta que la “National Board of Film” de Canadá le propone ira trabajar hacia las tierras septentrionales con un sueldo fijo y una casa para vivir.

Mclaren se muda a Canadá donde comienza sus trabajos de experimentación en el ámbito de la animación cinematográfica empezando a rendir jugosos frutos para la casa del cine canadiense. Son múltiples los trabajos destacados de este creador y varios de ellos alcanzaron premios internacionales.

Su técnica mas destacada, según mi opinión, fue la pintura directa sobre la cinta de cine y la creación de una banda sonora a través de pinchar la propia banda magnética de la cinta que trae incorporada en si misma. Así fue desarrollando obras vanguardistas que juegan con la rítmica y la coreografía de diversos elementos, además de la adición de colores y formas novedosas.

Los trabajos de Mclaren son imperdibles, para mi los mas destacados son “Dots”, por ser uno de los primeros,  “Canon” que nos explica didácticamente ese elemento musical, Neighbours es una de las cintas mas premiadas y representa el odio a la guerra y la bestialidad humana, utilizando en este filme animación con seres humanos. "A Chairly Tale" es una linda historia sobre la confianza y con musica de Ravi Shankar. 

Otra de mis preferidas es “luces en la Ciudad” en donde filma la reacción de personas viendo una pantalla gigante en New York en los años 60s donde aparecen animaciones publicitarias de Canadá hechas por el propio Mclaren. No puedo olvidar el trabajo que mas orgullo hizo sentir al genio Escoses. “Le Merle”, una bella composición artística de adición de elementos mientras se canta una melodía infantil por un coro de bellas voces.

Para terminar debo decir que llegué a la obra de Norman Mclaren en una bendita casualidad y espero que quienes lean esta pequeña nota en el infinito de la red también tengan el placer de conocer el maravilloso trabajo de este artista.

Ahh. Les dejo unos regalitos.





miércoles, 2 de noviembre de 2011

Gung Ho! / 1943 / Ray Enright / 1943


Gung Ho! / 1943
Ray Enright / EEUU

Son muchas las películas que se hicieron en el periodo de guerras y muchas también las que fueron más que obras artísticas, instancias para desarrollar una concientización social para el apoyo a las causas patrióticas. Este es el caso de la cinta que comentaremos a continuación.

Gung Ho! Es un filme de 1943 protagonizado por Randolph Scott y con una de las primeras participaciones cinematográficas del actor Robert Mitchum.
Gung Ho! Es propaganda pura, nos muestra la ira y el impacto que provocó en la sociedad norteamericana el ataque de Japón a Pearl Harbor en 1942 y que trajo como secuela 3 años después el lanzamiento de las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki que pusieron fin a la Segunda Guerra Mundial.

En la película vemos a un grupo de jóvenes que provienen de las mas diversas realidades sociales, aunque haciendo  énfasis en aquellos que no tienen una vida ejemplar y mas bien son parias de una sociedad exitosa como lo era la estadounidense en este momento. Ellos forman parte del Ejercito y serán reclutados para formar parte de un escuadrón de elite (solo para los mas valientes) que tendrá como objetivo viajar hasta las islas del pacifico a desarticular el avance Nipón.  

Randolph Scott es “Thorward” un general que era visto con desden por una parte importante de la comandancia del ejercito porque vio en el ejercito chino un ejemplo de acción en conjunto para ser aprendida por el ejercito norteamericano. Al ver este prototipo dejo por un tiempo su trabajo como militar Estadounidense para hacerse parte del ejercito rojo Chino (con todo lo que aquello implicaba) y comprender sus bases de acción basadas en la fuerza de equipo. Este es también parte del sustento verídico de la película que se titula Gung Ho! Por el grito de guerra que identificaba a los Chinos y que pasó a ser también el símbolo del escuadrón protagonista de esta historia ademas de la verídica historia del General Thorward.

La película nos muestra racismo, odio y rencor hacia los japoneses, nos enseña que almas perdidas en un país en paz pueden ser excelentes guerreros y hombres de bien dentro de un conflicto armado. Además, Gung Ho! posee imágenes reales invaluables sobre el desastre de Pearl Harbor que avivan mas aun el sentimiento patrio.

La película termina con un discurso a la cámara de parte de Randolph Scott, en ese instante la cinta deja de ser solo una película para transformarse en un documental patriótico sobre el honor americano que le otorga desde la historia un gran valor fílmico a este filme.

Si te gusta la historia y las rarezas cinematográficas, además de la acción bélica esta bien para ti.


martes, 1 de noviembre de 2011

La Joya del Nilo / 1985 / Lewis Teague / EEUU


La Joya del Nilo / 1985
Lewis Teague / EEUU

Detrás de la venida al mundo de “Indiana Jones” a principio de los años 80s, surgieron una serie de historias parecidas que intentaban llevarnos por lugares exóticos del globo con historias que dejaban a los gringos como los héroes. Bien, aquí otra de esas historias. “La Joya del Nilo” es una cinta del año 1985 y secuela de una película del año anterior llamada “Romancing the Stone” en que Michael Douglas, Kathleen Turner y Dani DeVito cierran su aventura por el Amazonas esta vez en Egipto.

En la historia, Kathleen Turner es Joan Wilder una afamada escritora de novelas de amor que se cansa de ser idolatrada por sus historias fantásticas y quiere comenzar a escribir sobre realidades. Michael Douglas (Jack Colton) es un Playboy que vive de las rentas de sus juegos en el casino. Ella necesita mas seriedad en la vida y el desea solo juerga noche a noche. En el lanzamiento de un libro de la escritora un extraño e influyente hombre se acerca a Turner para ofrecerle que escriba su Biografía.  Este hombre es un gobernante (dictador) africano que se obsesiono con la idea de ser retratado por la fantasiosa mujer como un héroe de su tierra, sin embargo es mas bien un despiadado tirano.

La escritora decide emprender el viaje hacia este país exótico pero pronto se dará cuenta que cometió un grave error, pues dejo a su “novio” por una aventura que quizás no tenga regreso.

El centro de la episodio se generará cuando Douglas y DeVito sean llevados a África también a buscar una joya invaluable que terminará siendo una gran sorpresa.

La película contiene muchos Clichés, demasiados para mi gusto, mucho chiste malo (hago la diferencia entre los chistes malos de los cuales disfruto y estos chistes malos, que son los que tienes la intención de ser  chistes muy buenos pero son verdaderamente pésimos). Contiene al dictador malo bien malo, al pueblo tonto bien tonto, al gringo bien inteligente y que es capaz de terminar con un ejercito entero sin la ayuda de ninguna arma y claramente posee el espíritu libertador universal del hommo Americanis.

Mención aparte merece la banda sonora que en momentos nos muestra a una serie de Beduinos con minicomponentes escuchando musica nativa arábiga con bases electrónicas al estilo ochentero. Realmente chistoso.

Si buscas entretenerte es buena, si quieres cine de verdad esta no es una buena elección.



domingo, 30 de octubre de 2011

La Virgen de la Lujuria / 2002 / Arturo Ripstein / Mexico - España


La Virgen de la Lujuria / 2002
Arturo Ripstein / México – España

El director Arturo Ripstein es uno de los mas cercanos discípulos mexicanos del Español Luis Buñuel y en su tratamiento fílmico se puede apreciar una proximidad a algunos de los conceptos surrealistas del famoso director español.

Dicho esto, “La virgen de la Lujuria” es una cinta que nos lleva a 1939 – 1940 en el estado de Veracruz en México. Ahí es donde un simple mesero de un café vive su solitaria, discreta y monótona vida. Nacho (Luis Felipe Tovar) es un tipo apocado y displicente con su existencia que verá cambiado su destino cuando conoce a una joven prostituta española (Ariadna Gil) adicta al opio y enamorada de un luchador enmascarado. La mujer es una sádica y egoísta que desata en la personalidad del mesero su mas bajo masoquismo complementándose en una enferma relación que traerá profundos problemas mentales y sociales al mozo.

Se desarrolla paralelamente una historia de contexto, en ella un grupo de inmigrantes españoles que escaparon de franco se hacen parroquianos del café que atiende Nacho. Los fatales hombres sin dinero ni para el café pasan largar horas hablando sobre política y como asesinar al dictador Francisco Franco que aprisiona su tierra natal.

El mozo es criticado por su servilismo por los recién llegados exiliados mientras que la mujer le juzga por todo lo que hace teniéndolo en una posición de esclavitud permanente.

La cinta nos otorga un par de discursos que viajan entrelineas por el recorrido del metraje. Existe un paralelismo en la historia del los Españoles exiliados en México que alegan permanentemente por las costumbres mexicanas y que nos recuerdan siempre el pasado conquistador de los ibéricos en America Latina, encontrándose con la relación de servilismo y esclavitud que lleva la joven ramera española con el tímido Nacho, un nativo mexicano moreno.

La obsesión del mesero por su vil enamorada llega a niveles patéticos, sin embargo recibirá el apoyo de uno de los españoles que en secreto desarrolla fotografías bolcheviques sobre la historia universal. Para lograr que el mozo se sienta digno del amor de la prostituta creara una ficción que le llevara a matar a Franco, la forma de ganarse su aprecio.

La película tiene varios momentos notables, sobretodo el principio y el final donde se mezcla ficción y realidad en el ingreso de títulos en la pantalla que se asemejan a las películas de los años 40s, haciendo pasar al joven asistente de un simple muchacho a una especie de Humphrey Bogart. También son interesantes los momentos en que la película nos lleva la música, con canciones de la revolución española.

Negativo me parece el desarrollo de algunos personajes, sobretodo el dueño del café que al principio de la película es un verdadero negrero y luego se va convirtiendo en un tipo bueno. No se entiende la evolución de ese personaje.

Buena cinta de cine Latinoamericano con una bellisima musicalicacion y tratamiento de la imagen.


domingo, 23 de octubre de 2011

Nemye Svideteli (Testigos Silenciosos) /1914 / Yevgeni Bauer / Rusia

Nemye Svideteli (Testigos Silenciosos) / 1914
Yevgeni Bauer / Rusia

En el buceo por la inmensa cantidad de películas que ofrece la red me encontré con esta cinta del cine ruso de principios de siglo en la Rusia pre-revolucionaria.

La cinta se llama “Testigos Silenciosos” y es un drama psicológico en el que se puede apreciar una interesante visión sobre el contexto social vivido en la Rusia anterior a Lenin.  

La película esta dirigida por un olvidado director llamado Yevgeni Bauer, quien tras la revolución de 1917 paso al olvido por los dirigentes de la URSS, eso además de que murió tempranamente  en 1917 tras una pulmonía. Bauer fue influencia para muchos de los primeros directores de cine entre ellos Eisenstein o Kuleshov o el destacado alemán F.W. Mornau quien utiliza como protagonista en su obra maestra “El Ultimo” (y que también está comentada en este blog) un personaje calcado al viejo portero de la película que comentaremos en esta ocasión.

En esta película Bauer nos transporta a una historia de segregación social muy bien lograda. Pavel, es un hombre que disfruta de los beneficios de su status social, es un hombre relativamente joven que pertenece a la rancia aristocracia Rusa y por supuesto que posee una gran cantidad de sirvientes, entre ellos un viejo portero que vive en la mansión con su joven nieta. Al ver una triste situación en casa en que una de las empleadas no podía viajar con su esposo a un sector alejado de la ciudad pues alguien tenia que hacer el trabajo de ella la joven nieta del portero decide ofrecerse para ocupar el puesto de la empleada y así liberarla de su responsabilidad.

Pavel es un hombre que vive en las permanentes fiestas de su clase y se hace acompañar por su novia  una mujer que tras su calculador carácter esconde a un amante y sus ansias de poder y dinero.  Pavel no se conforma con su fría novia, sino que también emborracha a la joven nieta y ahora criada de la casa. La inexperta muchacha se enamorará del aristócrata y sufrirá  el tener que verlo casarse con una mujer que lo engaña y que es descubierta en su ardid por la muchacha.

La película posee partes decidoras en cuanto al discurso que busca expresar el Director, tales como el instante en que la novia de Pavel humilla a la joven sirvienta haciéndole quitarle sus botas tras el arribo a la casa. 

Toda esta historia se genera en el silencio complice y temeroso de todos los sirvientes de la casa que son testigos de la aventura amorosa ilicita con la empleada y tambien del engaño de la novia a su patron. Nadie dice nada, de ahi el nombre de la cinta "Testigos Silenciosos". El miedo a perder el trabajo es mas fuerte a la lealtad, otro buen testimonio de esta epoca.

Esta película es un muy buen retrato de lo que era la aristocracia y burguesía que sucumbió ante la revolución Rusa y que en otros directores más panfletarios es identificada de manera mas dura y caricaturesca. Un documento necesario de ver para completar la imagen de un periodo.

jueves, 20 de octubre de 2011

Delta Force 2 / 1990 / Aaron Norris / EEUU

Delta Force 2 / 1990
Aaron Norris / EEUU

Cualquier cinta en que actúe Chuck Norris es una obra maestra. Partiendo de esta premisa nos enfrentamos con la secuela de una película tremendamente exitosa pero que en este caso no logra los niveles de suceso que alcanzo la primera entrega.

En Delta Force 2 Chuck deberá enfrentarse a un despiadado asesino y traficante colombiano (aunque no se usa en la trama el nombre de ese país se deduce que es Colombia) que ultima sin ningún remordimiento tanto a policías como a sus propios trabajadores ubicados en la selva.  En esta historia el maleante se encontrará con el partner de Norris a quien lo matara con una cruel tortura lo que desatará la ira del hombre mas violento del cine. 



Una película para entretenerse en una tarde de sábado.

domingo, 16 de octubre de 2011

Y Dios Creo a la Mujer / 1956 / Roger Vadim / Francia


Y Dios creo a la Mujer / 1956
Roger Vadim / Francia 

De vez en cuando uno tiene el derecho de no encontrarse de acuerdo con las ideas o conceptos de la mayoría de los críticos en la web. En este caso no estoy de acuerdo pues en gran número de sitios se dice que “Y Dios creo a la mujer” es una película con escasísimo valor fílmico, pero yo digo, cualquier cinta que capture la belleza juvenil de Brigitte Bardot es una obra digna de quedar en los anales del arte.

La cinta comienza con la aparición de un maduro pretendiente de BB quien la encuentra desnuda tras una sabana tomando el solo. Brigitte es una joven menor de edad huérfana, que es adoptada por una familia con 3 hijos y que será el fruto de la discordia entre los dos mayores.  La joven no se interesa por el trabajo sino por las fiestas y es amenazada por sus padres adoptivos de ser devuelta al orfanato. Para evitar ese cruel destino la joven deberá casarse con alguien que este dispuesto a vivir con la mas apetecida de las muchachas del pueblo (con todo lo que aquello implica). La muchacha ama profundamente al mayor de los hermanos ya mencionados pero el solo quiere pasar un raro de placer con ella, mientras que el hermano del medio acepta casarse con la muchacha con todo el descrédito que aquello le traerá.

Contiene escenas de gran Belleza (sobretodo en las que aparece BB) pues el rodaje se realiza en el balneario de Saint Tropez en la costa francesa.

El Director de la película Roger Vadim era el esposo de la Bardot en esta ocasión y la cinta fue hecha a la medida de la sensualidad de la joven actriz que busca ser puesta en el panorama global como la competencia europea de Marilyn Monroe.

El éxito de la película trajo como consecuencia el fin del romance entre el director y la actriz y a ella le catapulto como sex simbol en todo el mundo, con la mezcla de infantilismo y sensualidad que caracterizo la carrera de la Bardot

Quizás uno de los hechos mas polémicos de la película, según mi apreciación, consiste en la escena final en la que tras el engaño de Brigitte a su esposo (Jean Louis Trintignant), ella se desata en un baile desenfrenado que solo culminara con las continuas bofetadas de su marido logrando volver en si a la muchacha.

Es una visión mixta de la mujer de esa época, pues por un lado esta ligada al hombre de manera ineludible a diferencia de lo que ocurrirá en las figuras femeninas de la década de los 60 en el cine y que serán una demostración de una nueva cosmovisión del mundo femenino.  Por otro lado ya se comienzan a ver los primeros efectos de una sociedad en cambio en el que la mujer es liberal y sensual comprendiendo que puede obtener lo que quiera a través de sus atributos.


sábado, 8 de octubre de 2011

Boiling Point / 1990 / Takeshi Kitano / Japón

Boiling Point / 1990
Takeshi Kitano / Japón

Hace un tiempo me tope con mi primera película de Takeshi Kitano, una cinta que fue reconocida en Europa y que puso al director y actor japonés en preeminencia dentro de la escena del cine mundial. La película a la que me refiero como primer acercamiento a Kitano es “Hanna- Bi” o “Flores de fuego”, un drama crudo sobre la vida de un policía atormentado por la enfermedad de su esposa amada y la culpabilidad sobre la herida de un colega que recibió un disparo que correspondía a él.

Pero Takeshi Kitano no es un director de dramas, o al menos no lo fue en el principio. El director se destaco como actor de películas de “humor Amarillo”, un tipo de comedia asiática.

Cuando nos aproximamos a la cinta Boiling Point, la primera dirigida por el mencionado Kitano, nos enfrentamos a una cinta extraña. Es definida como una especie de comedia por algunos sitios especializados, sin embargo posee más bien un sórdido sentido del humor. En la cinta Takeshi se toma su tiempo en ciertas escenas y utiliza sus ya conocidos fetiches como las largas escenas frente al mar.

Boiling Point es una historia sobre los Yakuzas, un tipo de mafia nipona muy peligrosa que goza de excéntricos castigos a la traición y la torpeza. Cuando comienza la cinta nos topamos con un muchacho simplón y mediocre que participa de un encuentro de baseball del barrio sin tener el talento para golpear la bola con el bat. Este simple muchacho, que algunas veces nos parece subnormal, también trabaja en una estación de servicio, aquí comienza el drama, cuando el joven es increpado por uno de los hombres del jefe de la mafia por no hacer su trabajo de buena forma. El muchacho decide golpear al matón ganándose un poderoso enemigo. El entrenador del muchacho en el club de baseball fue un antiguo participante de la Yakuza y decide intervenir para que su imberbe amigo no sea destruido. 

Tras un dura golpiza de los capos al ex mafioso la venganza se adueña de su corazón y decide ir a Tokio en busca de un arma para terminar con sus enemigos, es ahí donde la película ingresa en un viaje alucinógeno, el joven decide junto con un amigo ir en búsqueda de esa arma. Takeshi Kitano aparece un este momento en el film representado a un mafioso capitalino lleno de todos los vicios, alcohólico, maltratador de mujeres, abusador, homosexual y asesino (imposible olvidar la escena donde Takeshi ofrece a su amigo el acostarse con su novia de turno y luego la venganza con una violacion a su subdito). Aquí la cinta se vuelve confusa, es un viaje en acido por la ciudad en búsqueda de las armas para terminar con su propio jefe Yakuza que le ha pedido que corte una punta de su dedo con la finalidad de redimirse de una falla. En esa misma búsqueda se suman los 2 jóvenes encargados por el entrenador.

El final de la película es realmente confuso, entendemos que el viaje a la capital se transformo en un aprendizaje traumático e inolvidable que no les permite seguir siendo los mismo que fueron lo que los lleva a tomar dramáticas decisiones, sin embargo nunca sabremos si la historia fue cierta o solo producto de la imaginación del simplón muchacho que solo buscaba fantasear con una vida llena de emociones que no podrían realizar siendo un alfeñique.

Entretenida, en momento críptica.


domingo, 2 de octubre de 2011

La Folie du Doctor Tube / 1915 / Abel Gance / Francia

La Folie du Doctor Tube / 1915
Abel Gance / Francia

Un Cortometraje del Creador de la obra fílmica “Napoleón”, que nos lleva por un viaje lisérgico y experimental que mas allá de ser una extraña prueba de nuevas técnicas con lentes turcos en la cámara y que proporcionaran imágenes de gran extrañeza es una historia que posee un críptico mensaje.

Para la mayoría de los interesados en el mundo del cine primigenio esta obra aporta una experimentación tecnológica con lentes doblados que permitirán ver escenas inentendibles, pero no le otorgan ninguna calidad a la historia, mas bien, opinan que la actuación es solo una excusa para probar la técnica. Sin embargo cuando vemos la historia con detención podremos apreciar algunos detalles interesantes los que pasaré a detallar.

La obra trata sobre un científico loco que esta durmiendo frente a sus experimentos, al costado derecho de la pantalla un joven y negro sirviente que esta “durmiendo” o haciendo como que duerme  y que imita permanentemente los gestos de su “amo”.  El científico experimenta con unos polvos blancos los que accidentalmente provocaran una distorsión en la imagen de los seres a los cuales les es esparcida esta extraña substancia.  El primero en experimentar la sensación será el propio insano científico, quien se rie escandalosamente por lo extraño que observa, (el polvo será acaso una droga?) luego llega el siervo que se ríe por imitación y sin saber porqué, hasta que su patrón le espolvorea la sustancia, el se sorprende y comienza a reír en serio.
Tras eso una historia paralela sin importancia que ocupara casi el 80 % de la cinta. Sin embargo el final nos entrega otro echo relevante. Tras el final de los efectos del polvo los afectados brindan con champagne la vuelta a la normalidad pero el científico encierra su cabeza en una jaula de metal y sigue con sus experimentaciones pero con la mente encarcelada.

Interesante experiencia.



sábado, 1 de octubre de 2011

Out of Reach / 2004 / Po - Chih Leong / Reino Unido - Polonia

Out of Reach /  2004
Po - Chih Leong / Reino Unido – Polonia

Steven Seagal siempre sera un duro, un hombre que en sus películas (y quisiera creer que en su vida diaria también) se esfuerza por ser distinto, sufrido, meditabundo, integro y todas aquellas características que nos hacer reconocer a un filosofo de la violencia.

Seagal nos regala esta nueva “joya” en la que se convierte en un ermitaño amante de la naturaleza que se cartea con una jovencita de 14 años en Polonia. Esta muchachita es huérfana y a través de las misivas logran traspasar afecto y conocimiento.

A la llegada de sus 14 años la pequeña junto con un grupo de las más lindas chicas de la casa de acogida serán tomadas por un grupo de proxenetas para ser vendidas como esclavas sexuales a potentados europeos.

Sin duda es ahí, como suele pasar en las películas de Steven Seagal, cuando el héroe se involucra y comienza a descifrar enigmas que le permitirán dar con su pequeña amiga en el viejo continente.


Claramente el pasado de Seagal es el de siempre, un hombre experto en dar patadas y usar armas y que es buscado por la policía para que regrese al servicio activo. Historias repetidas las de Seagal, pero que de todas maneras nos hacen pasar un grato momento en una tarde de sábado relajada. 

lunes, 15 de agosto de 2011

Rocky / 1976 / John Avidsen / EEUU

Rocky / 1976
John Avidsen / EEUU

Cuando pienso en las películas que he visto en mayor cantidad de ocasiones en mi vida, quizás esta deba ser una de las que mas he repetido. Rocky es una historia cautivante sobre el clásico “working class Hero”.

Una revisión mas exhaustiva de la cinta nos llevara por una serie de iconografías que parecieran indicarnos la fidelidad y vigencia del “Sueño Americano”, la revalidación de el “país de las oportunidades” y en una fecha muy especial pues es el mismísimo día 1 de enero de 1976 cuando se abre el ciclo de celebraciones del bicentenario de Estados Unidos (fecha en que también se estrena esta cinta).

Rocky es una película de bajo presupuesto. Solo se contó con 1.1 millones de Dólares para realizarla y por lo mismo debe ser una de las producciones mas económicas en ganar el Oscar a Mejor Película.

Rocky Balboa era fanático de un viejo púgil llamado “Rocky Marciano”, otro inmigrante ítaloamericano que logro convertirse en uno de las mas grandes boxeadores de la historia y que, dicho sea de paso, no perdió ningún combate en su carrera boxeril.
Rocky Balboa era un hombre de los bajos fondos de la ciudad de Filadelfia que pasaba una parte de su tiempo siendo el matón de un mafioso de poca monta y otra parte en el gimnasio preparándose para dar peleas en rings menores en su ciudad. Pero es en esta suerte de Jubileo norteamericano que recibe la invitación para convertirse en el retador del campeón del mundo de peso pesado, en alter ego de Muhammed Alí “Apollo Creed”. 

Rocky Balboa deberá enfrentarse con su miedo y su permanente sensación de ser un tonto. Su novia será un complemento muy especial para si vida, pues es una chica tímida y llena de traumas exacerbados por el brutal carácter de su hermano y amigo de Rocky llamado Pauly.

La historia de Rocky contrapone al hombre exitoso versus el que no tiene nada que perder, es la historia del hombre que dentro de su fuero interno es un ser humano de calidad, sin embargo debe sobrevivir haciendo lo que no ama. Es también la historia de la superación, del corazón y la perseverancia por encima de las dificultades físicas o intelectuales.

 Hay una escena en donde el italiano visita el centro de eventos donde se desarrollara la pelea un día antes. En ese momento ve dos cuadros gigantes colgando del techo, uno con la figura de Apollo con pantalones cortos de Estados Unidos, mientras que Rocky sale vestido con un short rojo (Rocky vestiría de blanco), Esta también es un historia marcada por un contexto. Estados unidos es el mundo para los habitantes Estados unidos a mediados de la década de los 70s-

Esta cinta es la primera de Stallone es Hollywood y lo lanza a la fama de manera inmediata.


sábado, 30 de julio de 2011

Alerta Maxima / 1992 / Andrew Davis / EEUU


Alerta Máxima / 1992
Andrew Davis  / EEUU

Si ven con detención mi listado de películas comentadas, observaran que entre ellas destacan varios Films donde el protagonista es el Infame Steven Seagal. El hombre de rostro duro ha protagonizado decenas de películas pero la que ahora detallo es la mas taquillera de sus cintas. Under Siege o Alerta Máxima es la película mas clásica del actor norteamericano, en ella Seagal se convierte en un marinero que en primera instancia se ve como un simple cocinero del barco USS Missouri, el es Casey Rayback, sin embargo y como suele suceder en sus películas, Seagal nos tendrá un sorpresa mayúscula, pues posee las mas mortíferas técnicas de destrucción, las que serán entregadas dedicadamente a un grupo de marinos corruptos que se apoderan  del barco en una de sus ultimas misiones, acabando con el capitán de la embarcación e intentado robar los cohetes tomahawk que contienen ojivas nucleares.

Una de las mas entretenidas situaciones se desarrolla durante la supuesta fiesta de cumpleaños del capital de la embarcación, que será celebrada por una agrupación de Rock liderada por Tommy Lee Jones e incorporará en la acción a la Playmate del momento interpretada por Erika Eleniak, la única mujer del reparto.

Cinta Ganadora de 2 relevantes Oscares a mejor Sonido y Mejor Efecto de Sonido. Sin duda un Hito!

Entretenida experiencia.


martes, 26 de julio de 2011

Tiempo de Gitanos / 1989 / Emir Kusturica / Yugoslavia

Tiempo de Gitanos / 1989
Emir Kusturica / Yugoslavia (Serbia).


El cine es una de las expresiones mas complejas de la cultura, pues en ella se puede captar casi con todos los sentidos aquello que vemos y aprendemos. Es el cine también aquel arte que nos permite descubrir con mayor cercanía aquellas realidades históricas o contemporáneas que hemos vivido o que se hacen reconocibles a través de la experiencia con la pantalla.

Dicho esto, “Tiempo de Gitanos” o Dom za vesanje, es decir literalmente “Casa para colgar” es una cinta del controvertido Emir Kustica y que representa con crudeza y magia la realidad del mundo de los gitanos en las tierras eslavas.

El Personaje principal es un joven llamado Perhan, un muchacho opaco que al transcurrir de la historia se ira apropiando de la historia y que nos llevará a sentir las mas variadas emociones. Perhan es un típico adolescente que busca enamorarse y poder ayudar a su familia sin embargo el nacer entre la pobreza de los gitanos y ser un “paria” por no ser de raza pura le traerá complicaciones como ser despreciado por la madre de la joven que el pretende.

Para lograr salir de la dura realidad económica (que se hace mas dura con las condiciones de vida paupérrimos que refleja el director en la Yugoslavia de fines de la década de los 80s), Perhan decide viajar con un hombre oscuro que promete al joven sanar a su hermanita enferma de ostiomelitis además de sacarlo de la pobreza, este hombre se hace llamar el “jeque de los gitanos”. Es así como la trama se traslada de la pobreza de serbia a las calles de Roma, en donde “El Jeque”, Perhan y compañía se instalarán para desarrollar una empresa de baja calaña. Las promesas de grandeza estarán asociadas a una pandilla de asaltantes, abusadores de menores y secuestradores que se transforman en una especie de ejercito de estafadores para el falso Mesías de Perhan.

La película es una cruda realidad de la vida en la pobreza, de la necesidad que lleva a romper con la ética y la moral y con las lealtades. Perhan pasara de ser un joven lleno de valores a un hombre que se interna en el área mas oscura del ser humano, sin embargo con un camino de retorno posible pero doloroso.

Tiempo de Gitanos para muchos es una película sin embargo de manera original es una serie de 5 capítulos que suman mas de 300 minutos de duración, trabajo auspiciados por la televisión Yugoslava.

En la mano filmica de Kusturica podemos notar una relación con el realismo mágico de García Márquez, una mixtura entre las mas dolorosa realidad pero con escenas de surrealismo que nos permiten soñar en los mas amargos momentos de la cinta.

Tiempo de Gitanos logro llevar a Kusturica al premio de Mejor Director en el festival de Cannes en su ceremonia del año 1989.

Trabajo Totalmente recomendable. 


domingo, 3 de julio de 2011

The Lodger: A Story of the London Fog / 1927 / Alfred Hitchcock / Reino Unido


The Lodger : A Story of the London Fog / 1927
Alfred Hitchcock / Reino Unido

Anteriormente había comentado otra cinta en blanco y negro del gordo director. The Ring de 1929, una obra fuera del intricado mundo de la intriga de Hitchcock. La película a la que me referiré ahora es “The Lodger” o “El Inquilino” o “El enemigo de las Rubias”. Una historia basada en la novela de Marie Belloc y a su vez en la obra de teatro Who is He? Y  a su vez todas estas inspiradas en el mítico caso del psicópata mas famoso de la historia londinense “Jack en destripador”.

La Historia real del asesino en serie se desarrolla en 1888 y un barrio periférico de Londres y tras su intrincado desarrollo que dejo un halo de misterio entorno a la resolución de este caso, una gran cantidad de periodistas y dramaturgos escribieron obras para referirse al enigmático personaje. El modus operandi de Jack el destripador era verdaderamente sórdido, haciendo del cuerpo de sus victimas un sacrificio sexual sanguinario.

En la obra The Lodger o como se conoció en España “El enemigo de las Rubias”, una joven y bella modelo será la protagonista de una historia que como suele pasar con las cintas de  Hitchcock estará llena de giros que nos llevaran a poner en duda la veracidad de lo que estamos viendo y si el personaje que parece responsable es realmente el autor de los homicidios.

El Inquilino en la obra es un actor llamado Ivor Nobello, un hombre que en su actuación posee una actitud a veces perversa y en otras atormentada, lo que nos lleva permanentemente a la duda.  Novello rentará una habitación en la casa de la rubia modelo (June). El ingreso a la cinta del actor principal es de terror con una tendencia a la teatralidad.  El novio de la joven rubia es un actor llamado Malcom Keen quien es además un policía que será puesto a cargo del misterioso caso del destripador. 

Los padres de la joven ven con extrañeza las actitudes de su huésped que corteja a la joven y comienzan a creer que tienen bajo su propio techo al buscado destripador.

La obra contiene un giro espeluznante, pues cuando todo pareciera estar resuelto Hitchcock nos da vuelta la historia nuevamente llevándonos a se testigos de un linchamiento popular

Esta cinta es la primera en que el Director actúa en un Cameo (precisamente en la escena del ajusticiamiento), siendo además la primera película reconocida como auténticamente Hitckockeana.